Citate Celebre Cogito
Citate Celebre & Enciclopedie

Comemorari
15 decembrie

1675: Johannes Vermeer, pictor olandez (n. 1632)

Cunoscut mai ales ca Jan Vermeer van Delft, este considerat unul dintre cei mai mari pictori olandezi ai vârstei de aur, un maestru al folosirii luminii în lucrările sale și unul dintre cei mai cunoscuți reprezentanți ai stilului baroc. A excelat în arta de a picta scene de interioare confortabile, realizate cu precizie matematică şi scăldate într-o lumină dulce, argintie. Cu câteva excepţii, unele peisaje, scene de stradă şi portrete, opera sa a constat din interioare însorite, în fiecare dintre ele aflându-se unul sau două personaje care citesc, scriu, cântă la un instrument muzical sau sunt ocupate cu o îndeletnicire domestică.

A trăit modest, mai mult din negustoria cu opere de artă decât din lucrarile realizate ca pictor. De altfel, picta puțin, cam două tablouri pe an. Numai treizeci şi șase de tablouri de Vermeer au supravieţuit şi nici unul nu pare să fi fost vândut. Numărul lor mic se explică prin obiceiul lui de a lucra metodic, precum şi prin moartea lui relativ timpurie.

Cel mai cunoscut tablou al său este cel intitulat “Fata cu cercel de perlă”.

Johannes Vermeer sau Jan Vermeer, botezat pe 31 oct. 1632, în Delft, Țările de Jos – 15 / 16 dec. 1675, artist olandez. A creat picturi care sunt printre cele mai iubite și respectate imagini din istoria artei. Deși au supraviețuit doar cca. 36 dintre picturile sale, aceste lucrări rare se numără printre cele mai mari comori din cele mai bune muzee din lume.

Vermeer și-a început cariera la începutul anilor 1650, pictând mai ales scene biblice și mitologice, dar majoritatea picturilor sale ulterioare – cele pentru care a devenit cel mai faimos – descriu scene din viața de zi cu zi în decoruri de interior. Aceste lucrări sunt remarcabile prin puritatea lor de lumină și formă, calități care transmit un sentiment senin, atemporal al demnității. Vermeer a pictat, de asemenea, peisaje urbane și scene alegorice.

Anii tinereții

Delft, unde s-a născut Vermeer și și-a petrecut cariera artistică, a fost un loc activ și prosper la mijlocul secolului al XVII-lea, bogăția sa bazându-se pe fabricile înfloritoare de diverse articole, atelierele de țesut tapiserii și fabricile de bere. În interiorul zidurilor orașului Delft se aflau canale pitorești și o piață mare, care era flancată de primăria impunătoare și turnul înalt al Nieuwe Kerk („Biserica Nouă”). A fost și un oraș venerabil cu un trecut lung și remarcabil. Fortificațiile puternice, zidurile orașului și porțile medievale din Delft i-au asigurat protecția timp de mai bine de trei secole și, în timpul revoltei olandeze împotriva controlului spaniol, i-au oferit refugiu lui William I, prinț de Orange, din 1572 până la moartea sa în 1584.

Vermeer a fost botezat în Nieuwe Kerk. Tatăl său, Reynier Jansz, era țesător și producea o țesătură fină din satin numită caffa. Acesta a activat și ca negustor de artă. Până în 1641 familia era suficient de prosperă pentru a cumpăra o casă mare care conținea un han, numit Mechelen, în piața orașului. Vermeer a moștenit atât hanul, cât și afacerea de comerț de artă la moartea tatălui său, în octombrie 1652. Până atunci, însă, Vermeer trebuie să se fi decis că dorește să urmeze cariera de pictor.

În aprilie 1653, Vermeer s-a căsătorit cu Catherina Bolnes, o tânără catolică din așa-numitul Papenhoek, sau Colțul Papistașului (sau Colțul Catolicului) din Delft. Această uniune l-a determinat să treacă de la credința protestantă, în care a fost crescut, la catolicism. Mai târziu în acel deceniu, Vermeer și soția sa s-au mutat în casa mamei miresei, Maria Thins, care era o rudă îndepărtată a pictorului din Utrecht Abraham Bloemaert.

Pregătirea artistică și influențele timpurii

În mod surprinzător, se știe puțin despre decizia lui Vermeer de a deveni pictor. S-a înscris ca maestru pictor în Breasla Sfântul Luca din Delft pe 29 decembrie 1653, dar identitatea maestrului, natura pregătirii sale și perioada de ucenicie rămân un mister.

Deoarece numele lui Vermeer nu este menționat în arhivele din Delft la sfârșitul anilor 1640 sau începutul anilor 1650, este posibil ca, la fel ca mulți artiști olandezi aspiranți, să fi călătorit în Italia, Franța sau Flandra. S-ar putea să se fi pregătit și într-un alt centru artistic din Țările de Jos, poate Utrecht sau Amsterdam. La Utrecht, Vermeer ar fi întâlnit artiști care erau cufundați în tradițiile îndrăzneț expresive ale lui Caravaggio, printre care Gerrit van Honthorst. La Amsterdam s-ar fi confruntat cu impactul lui Rembrandt van Rijn (1606-1669), ale cărui efecte puternice de clarobscur au sporit intensitatea psihologică a picturilor sale.

Caracteristicile stilistice ale ambelor tradiții picturale – școala din Utrecht și cea a lui Rembrandt – se găsesc în picturile timpurii cu teme biblice și mitologice ale lui Vermeer, precum Diana și nimfele sale (c. 1653–54, numită și Diana și însoțitoarele sale) și Hristos. în Casa Mariei și Martei (c. 1654–56).

Cea mai frapantă asimilare a celor două tradiții este evidentă în Proxeneta (1656) lui Vermeer. Subiectul acestei scene de dragoste mercenară este derivat dintr-un tablou al artistului din școala din Utrecht, Dirck van Baburen din colecția soacrei lui Vermeer, în timp ce roșul și galbenul intens și efectele puternice de clarobscur amintesc de stilul lui Rembrandt. pictura. Figura slab luminată din stânga compoziției este probabil un autoportret în care Vermeer își asumă înfățișarea Fiului Risipitor, rol pe care Rembrandt îl jucase și într-una dintre scenele sale de „companie veselă”.

La începutul anilor 1650, Vermeer ar fi putut găsi, de asemenea, multă inspirație în Delft-ul natal, unde arta trecea printr-o transformare rapidă. Cel mai important artist din Delft la acea vreme era Leonard Bramer, care a produs nu numai picturi istorice de mici dimensiuni – adică reprezentări edificatoare moral ale subiectelor biblice sau mitologice – dar și picturi murale de mari dimensiuni pentru curtea prințului de Orange. Documentele indică faptul că Bramer, care era catolic, a servit ca martor pentru Vermeer la căsătoria sa. Deși s-ar părea că Bramer a fost, cel puțin, un susținător timpuriu al tânărului artist, nicăieri nu se spune că a fost profesorul lui Vermeer.

Un alt pictor important pe care Vermeer trebuie să-l fi cunoscut în Delft în această perioadă a fost Carel Fabritius, un fost elev al lui Rembrandt. Imaginile meditative evocatoare ale lui Fabritius și utilizarea inovatoare a perspectivei par să-l fi influențat profund Vermeer. Această conexiune a fost remarcată de poetul Arnold Bon, care, scriind despre moartea tragică a lui Fabritius în 1654 în explozia casei din Delft, a remarcat că „Vermeer a călcat cu măiestrie pe urmele lui [Fabritius]”. Cu toate acestea, deși Vermeer cunoștea opera lui Fabritius, nu există nicio dovadă care să sugereze că a studiat cu Fabritius.

Oricare ar fi circumstanțele educației sale artistice timpurii, în a doua jumătate a anilor 1650 Vermeer a început să înfățișeze scene din viața de zi cu zi. Aceste picturi de gen sunt cele cu care este cel mai des asociat. Gerard Terborch, un artist din Deventer care a redat cu măiestrie textura în reprezentările  activităților domestice, s-ar putea să-l fi încurajat pe Vermeer să urmărească scene din viața de zi cu zi. Cu siguranță, influența lui Terborch este evidentă într-una dintre cele mai vechi picturi de gen ale lui Vermeer, Fată citind o scrisoare la o fereastră deschisă (c. 1659), în care a creat un spațiu liniștit pentru ca tânăra să-și citească scrisoarea.

Spre deosebire de interioarele întunecate caracteristice lui Terborch, Vermeer a scăldat însă această scenă remarcabilă privată într-o lumină radiantă care pătrunde printr-o fereastră deschisă. Pictura dezvăluie, de asemenea, interesul în curs de dezvoltare al lui Vermeer pentru iluzionism, nu numai în includerea unei perdele de culoare verde-gălbui atârnată de o tijă care se întinde pe partea de sus a picturii, ci și în reflexiile subtile ale feței femeii în fereastra deschisă.

Scenele interioare ale lui Vermeer din această perioadă au fost, de asemenea, influențate de opera lui Pieter de Hooch, un pictor de gen aflat în Delft la acea vreme. De Hooch a fost un maestru în utilizarea perspectivei pentru a crea un interior plin de lumină sau o scenă de curte în care figurile sunt amplasate confortabil. Deși nu există documente care îi leagă pe Vermeer și De Hooch, este foarte probabil ca cei doi artiști să fi fost în contact strâns în această perioadă, deoarece subiectul și stilul picturilor lor din acei ani erau destul de asemănătoare. Pictura Străduța în Delft a lui Vermeer (c. 1658) este una dintre aceste lucrări: ca și în scenele din curte ale lui De Hooch, Vermeer a ilustrat aici o lume a liniștii domestice, în care femeile și copiii își desfășoară viața de zi cu zi în cadrul liniştitor al caselor lor.

Johannes Vermeer: Străduța din Delft, cca. 1658, în Muzeul Regal, Amsterdam.

Maturitatea lui Johannes Vermeer

Începând de la sfârșitul anilor 1650 și pe parcursul a aproximativ un deceniu – o perioadă remarcabil de scurtă de productivitate, având în vedere reputația sa enormă – Vermeer a creat multe dintre cele mai mari picturi ale sale, majoritatea scene interioare. Niciun alt artist olandez contemporan nu a creat scene cu o asemenea luminozitate sau puritate a culorii, iar opera niciunui alt pictor nu a fost infuzată cu un sentiment comparabil de atemporalitate și demnitate umană.

Johannes Vermeer: ​​Doamnă la Virginale cu un gentleman sau Lecția de muzică, cca. 1660–65, în Palatul Buckingham, Londra, Anglia.

Pe măsură ce a atins apogeul abilităților sale, Vermeer a devenit renumit în orașul său natal Delft și a fost numit șeful breslei pictorilor în 1662. Deși nu se cunosc comenzi pentru picturile lui Vermeer, se pare că în această perioadă și în alte perioade și-a vândut opera în primul rând unui mic grup de patroni din Delft. De exemplu, la peste două decenii de la moartea lui Vermeer, nu mai puțin de 21 de picturi ale sale au fost vândute din moșia lui Jacob Dissius, un colecționar din Delft.

Teme

În perioada apogeului carierei sale, în picturile înfățișând femei citind sau scriind scrisori, cântând la instrumente muzicale sau împodobindu-se cu bijuterii, Vermeer a căutat modalități de a exprima un sentiment de armonie interioară în viața de zi cu zi, în primul rând în cadrul unei camere private.

În picturi precum Tânără femeie cu ulcior de apă (cca. 1662), Femeie cu un colier de perle (cca. 1662/65) și Femeie în albastru citind o scrisoare (cca. 1663), a folosit legile perspectivei și plasarea obiectelor individuale – scaune, mese, pereți, hărți, rame de ferestre – pentru a crea un sentiment al ordinii de bază a naturii. Obiectele alese cu grijă de Vermeer nu sunt niciodată plasate aleatoriu; pozițiile, proporțiile, culorile și texturile lor lucrează în concordanță cu figurile sale. Lumina radiantă se joacă în aceste imagini, legând și mai mult elementele împreună.

Johannes Vermeer: ​​Tânără cu un ulcior de apă, cca. 1662; în Muzeul Metropolitan de Artă,  New York

Puterea emoțională a magnificului tablou Vedere în Delft al lui Vermeer (cca. 1660–61) rezultă în mod similar din capacitatea sa de a transforma o imagine a lumii fizice într-o expresie vizuală armonioasă, atemporală. În această capodoperă, Vermeer a ilustrat Delft de partea cealaltă a portului său, unde bărcile de transport se descărcau după ce navigau pe căile navigabile interioare. Dincolo de friza umbrită a venerabilelor ziduri de apărare din Delft și a porților masive, soarele strălucitor luminează turnul Nieuwe Kerk (Biserica Nouă), locul de înmormântare al prinților de Orange și nucleul simbolic al orașului. Pe lângă utilizarea luminii, forța picturii provine și din iluzia sa de realitate tangibilă. Clădirile capătă o prezență fizică datorită modului sugestiv al lui Vermeer de a juxtapune puncte mici de culori nemodulate cu atingeri ale pensulei; a folosit o tehnică similară pentru a sugera reflexia apei pe lateralele bărcilor.

Deși s-a inspirat din observațiile sale din viața de zi cu zi în lucrări atât de mature, Vermeer a rămas în esență un pictor istoric, căutând să evoce idei morale și filosofice abstracte. Această calitate este deosebit de evidentă în Femeie ținând o balanță (cca. 1664). În această imagine remarcabilă, o femeie stă senină în fața unei mese care poartă o cutie de bijuterii drapată cu fire de aur și perle, în timp ce așteaptă ca mica ei balanță de mână să se oprească. Deși lumina slabă care pătrunde în cameră și texturile rafinate ale bijuteriilor și ale jachetei bordate cu blană sunt redate în mod realist, pictura Judecății de Apoi atârnată pe peretele din spate semnifică faptul că artistul a conceput scena alegoric. În timp ce femeia stă lângă cutia de bijuterii și scena Judecății, expresia ei calmă indică o realizare: trebuie să mențină echilibrul în propria ei viață, fără a permite comorilor lumești trecătoare să depășească preocupările spirituale de durată.

Johannes Vermeer: ​​ Femeie ținând o balanță, cca. 1664; în Galeria Națională de Artă, Washington

În mod surprinzător, se știe puțin despre atitudinea lui Vermeer față de rolul său de artist. Cadrul filosofic în abordarea meșteșugului său poate fi probabil presupus dintr-o altă lucrare a acestei perioade, Arta picturii (cca. 1666/68). Cu o perdea mare, trasă înapoi ca și cum ar dezvălui un tableau viu, Vermeer și-a anunțat intenția alegorică pentru această operă mare și impunătoare. Scena înfățișează o artistă îmbrăcată elegant în mijlocul portretizării figurii alegorice a lui Clio, muza istoriei, care este recunoscută prin atributele ei: o coroană de lauri care simbolizează onoarea și gloria, trompeta faimei și o carte mare care semnifică istoria. Vermeer a plasat-o pe Clio în fața unei hărți mari de perete a Țărilor de Jos pentru a indica faptul că artistul, prin conștientizarea istoriei și prin capacitatea sa de a picta subiecte elevate, aduce faimă orașului și țării sale natale. Acest tablou a fost atât de important pentru Vermeer încât văduva sa a încercat să-l ferească creditori chiar și atunci când familia era săracă.

Johannes Vermeer: ​​Arta picturii, cca. 1666/68, în Kunsthistorisches Museum, Viena

Metodele de lucru ale lui Johannes Vermeer

Poate cea mai recunoscută caracteristică a celor mai mari picturi ale lui Vermeer este luminozitatea lor. Examinările tehnice au demonstrat că Vermeer a aplicat, în general, un strat de pământ gri sau ocru peste suportul de pânză sau panou pentru a stabili armoniile de culoare ale compoziției sale. Vermeer era foarte conștient de efectele optice ale culorii și a creat efecte translucide prin aplicarea glazurilor subțiri peste aceste straturi de pământ sau peste straturile opace de vopsea care îi defineau formele. Lucrările sale par să fie în continuare pătrunse de un sentiment de lumină ca urmare a utilizării punctelor mici de culoare nemodulată – ca în clădirile menționate mai sus și în apa din Vedere din Delft și în obiectele din prim plan din alte lucrări, precum pâinea cu crustă din Lăptăreasa (cca. 1660) și finisajele scaunului în Fată cu pălărie roșie (cca. 1665/66).

Johannes Vermeer: ​​Lăptăreasa, cca. 1660, în Rijksmuseum, Amsterdam

Accentuările difuze pe care le-a obținut Vermeer sunt comparabile cu cele văzute într-o cameră obscură, un dispozitiv optic fascinant care funcționează la fel ca un aparat de fotografiat într-o cutie. Camera obscură din secolul al XVII-lea a creat o imagine permițând razelor de lumină să pătrundă într-o cutie printr-o deschidere mică care era uneori prevăzută cu un tub de focalizare și o lentilă. Din cauza adâncimii limitate a câmpului dispozitivului, imaginea proiectată ar avea multe zone nefocalizate înconjurate de lumini neclare. Vermeer a fost aparent fascinat de aceste efecte optice și le-a exploatat pentru a oferi picturilor sale un sentiment mai mare de iminență.

Johannes Vermeer: ​​Fata cu pălăria roșie, cca. 1665/66; la Galeria Națională de Artă, Washington, D.C

Unii au susținut că Vermeer a folosit dispozitivul pentru a-și planifica compozițiile și chiar că a trasat imaginile proiectate pe sticla șlefuită din spatele camerei obscure. Cu toate acestea, un astfel de procedeu de lucru este cel mai puțin probabil. Vermeer s-a bazat în primul rând pe construcțiile tradiționale în perspectivă pentru a crea sentimentul de spațiu. S-a descoperit, de exemplu, că există mici orificii în multe dintre scenele sale de gen interioare în punctul de fugă al sistemului său de perspectivă. Firele prinse în orificiu l-ar fi ghidat în construirea liniilor ortogonale care ar fi definit îndepărtarea podelelor, ferestrelor și pereților. Vermeer a plasat cu atenție acest punct de fugă pentru a sublinia principalul element compozițional din pictură. În Femeie ținând o balanță, de exemplu, acesta apare la vârful degetului mâinii care ține balanța, sporind astfel mesajul filozofic general. O astfel de atenție la detalii ajută la explicarea dimensiunii reduse a producției creative a lui Vermeer, chiar și în perioada sa cea mai fertilă. Trebuie să fi lucrat încet, gândindu-se cu atenție la caracterul compoziției sale și la modul în care dorea să o execute.

Viața și anii de mai târziu

În 1670, Vermeer a fost ales din nou șef al breslei de pictură din Delft. Stilul târziu al lui Vermeer are un caracter mai clar, cu o claritate mai mare a atmosferei decât cea găsită în picturile sale din anii 1660. Tonurile și culorile atent modulate pe care le-a folosit în acele lucrări anterioare au făcut loc unei tehnici mai directe, chiar mai îndrăznețe, în jurul anului 1670. De exemplu, a folosit planuri de culoare bine definite și ritmuri unghiulare pentru a transmite un sentiment de energie emoțională în picturi precum în Doamnă scriind o scrisoare în prezența femeii de serviciu (1670) și Cântăreața la chitară (cca. 1672).

Johannes Vermeer: ​​Alegoria credinței catolice, cca. 1670–72, la Metropolitan Museum of Art, New York

Averea artistului s-a deteriorat drastic spre sfârșitul vieții sale, în principal din cauza climatului economic dezastruos din Olanda, în urma invaziei acesteia de către trupele franceze în 1672. Când Vermeer a murit în 1675, a lăsat în urmă o soție, 11 copii și datorii enorme.

Moștenirea lui Johannes Vermeer

Faima lui Vermeer nu a fost larg răspândită în timpul vieții sale, în mare parte pentru că picturile sale au fost colecționate de patroni locali și pentru că producția sa creativă a fost mică. După moartea sa, picturile au continuat să fie admirate de un mic grup de cunoscători, în special în Delft și Amsterdam. Până în secolul al XIX-lea, o serie de picturi ale lui Vermeer au fost atribuite altor artiști olandezi mai prolifici, printre care De Hooch.

Johannes Vermeer: ​​Studiul unei tinere femei, cca. 1665–67, la Metropolitan Museum of Art, New York

Cu toate acestea, când pictorul-critic francez Étiene-Joseph-Théophile Thoré (care a scris sub pseudonimul William Bürger) a publicat descrierile sale entuziaste ale picturilor lui Vermeer în 1866, pasiunea pentru opera artistului a ajuns la un public mai larg. Pe măsură ce colecționarii privați și muzeele publice au căutat în mod activ să-și achiziționeze picturile rare în primii ani ai secolului al XX-lea, prețurile pentru lucrările sale au crescut vertiginos. Această situație a încurajat producția de falsuri, dintre care cele mai notorii au fost cele pictate de Han van Meegeren în anii 1930.

La sfârșitul secolului al XX-lea, faima lui Vermeer a continuat să crească, alimentată parțial de o expoziție a operei sale organizată în 1995-1996 la Galeria Națională de Artă din Washington, D.C. și la Mauritshuis din Haga. Expoziția a atras, de asemenea, atenția publicului asupra picturii Fata cu cercel de perlă (cca. 1665), care a fost prezentată pe materialele promoționale ale National Gallery și a devenit rapid una dintre cele mai faimoase piese ale lui Vermeer la începutul secolului al XXI-lea.

Johannes Vermeer: ​​detaliu din Scrisoarea. Doamnă ținând o țiteră, detaliu din Scrisoarea, de Johannes Vermeer, cca. 1666, în Rijksmuseum, Amsterdam.

Opera remarcabil de mică a artistului a crescut astfel în popularitate de-a lungul generațiilor. Vermeer a găsit sub accidentele naturii un tărâm infuzat cu armonie și ordine și, dând formă vizuală acelui tărâm, a dezvăluit poezia existentă în momentele trecătoare ale existenței umane. El a explicat rareori semnificațiile exacte ale picturilor sale, preferând în schimb să permită fiecărui spectator să le contemple semnificația. Drept urmare, capodoperele sale continuă să implice pe deplin fiecare observator contemporan, la fel cum trebuie să fi implicat și privitorii din Delft în secolul al XVII-lea.

Fata cu cercel de perlă, tablou de Vermeer

Fata cu cercel de perlă, pictură în ulei pe pânză (cca. 1665) a artistului olandez Johannes Vermeer, este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale. Înfățișează o tânără imaginară în rochie exotică și un cercel foarte mare de perlă. Lucrarea se află permanent în Muzeul Mauritshuis din Haga, Olanda.

Johannes Vermeer: ​​Fata cu un cercel de perlă, cca. 1665, în Muzeul Mauritshuis, Haga.

Un pictor atent și calculat, Vermeer a produs doar 36 de lucrări cunoscute în timpul vieții sale, în timp ce mulți dintre contemporanii săi au finalizat sute. Ca și colegii săi, a descris în cea mai mare parte scene din viața obișnuită, numite mai târziu pictură de „gen”, adesea cu femei la îndatoririle zilnice. Exemple notabile includ Fată citind o scrisoare la fereastra deschisă (cca. 1657) și Lecția de muzică (cca. 1665). Își semna ocazional picturile. Fata cu cercel de perlă poartă semnătura nedatată „IVMeer”. Istoricii cred că Vermeer a pictat micul tablou (44,5 × 39 cm) în jurul anului 1665, în perioada în care a executat un grup de picturi ce aveau ca motiv comun perlele.

Fata cu cercel de perlă reprezintă o tânără într-un spațiu întunecat și de mică adâncime, un cadru intim care atrage atenția privitorului exclusiv asupra ei. Poartă un turban albastru și auriu, cercelul de perlă titular și o jachetă aurie cu un guler alb, vizibil dedesubt. Spre deosebire de mulți dintre subiecții lui Vermeer, ea nu se concentrează pe o activitate domestică zilnică și nu știe că este privită. În schimb, surprinsă într-un moment trecător, ea își întoarce capul peste umăr, întâmpinând privirea privitorului cu ochii mari și buzele întredeschise ca și cum ar fi pe punctul de a vorbi. Expresia ei enigmatică, împreună cu misterul identității ei, i-au determinat pe unii să o compare cu subiectul echivoc din Mona Lisa lui Leonardo da Vinci (cca. 1503–19). Spre deosebire de Mona Lisa, însă, Fata cu cercel de perlă nu este un portret, ci o tronie (o față, un chip), un termen olandez pentru un personaj sau tip de persoană. O tânără ar fi putut poza pentru Vermeer, dar pictura nu este menită să o înfățișeze pe ea sau pe un anumit individ în același mod în care lucrarea lui Leonardo a portretizat o persoană existentă (probabil Lisa Gherardini, soția unui comerciant florentin). Subiectul lui Vermeer este o tânără generică în rochie exotică, un studiu de expresie facială și costum. Lucrarea atestă expertiza tehnică și interesul lui Vermeer pentru reprezentarea luminii. Modelarea delicată a feței subiectului dezvăluie măiestria lui de a folosi mai degrabă lumina decât linia pentru a crea formă, în timp ce reflexia de pe buzele ei și de pe cercel arată preocuparea lui pentru reprezentarea efectului luminii pe diferite suprafețe.

[Tronie, un cuvânt olandez din secolul al XVII-lea care înseamnă „față”, este un gen distinctiv de pictură din epoca de aur a picturii olandeze și a picturii barocului flamand. Acest gen combină elemente de portret, pictură istorică și scena de gen și reprezintă de obicei o parte dintr-un singur personaj pentru care artistul a lucrat pentru a descrie o expresie facială exagerată, o stare de spirit originală sau un caracter excentric. Trebuie să se înțeleagă prin aceasta că aceste portrete corespund mai mult sau mai puțin definiției franceze a termenului „trogne”, adică o figură, un chip grotesc și plăcut. Aceste lucrări nu au fost concepute ca portrete, ci ca studii de expresie, tip, fizionomie sau un personaj interesant, cum ar fi un bătrân sau o femeie, o femeie tânără, un soldat, o păstoriță, un oriental sau o persoană dintr-o anumită rasă etc.]

Deși acum este un artist foarte apreciat, Vermeer nu a fost bine cunoscut în afara orașului său natal Delft în timpul vieții sale sau în deceniile de după. Istoricii îi atribuie criticului francez din secolul al XIX-lea Étienne-Joseph-Théophile-Thoré (sub pseudonimul lui William Bürger) reevaluarea operei artistului, ceea ce a condus în cele din urmă la reputația deosebită a lui Vermeer. Chiar și așa, Fata cu cercel de perlă a devenit una dintre cele mai faimoase piese ale lui Vermeer abia la începutul secolului 21, odată cu expoziția de succes din 1995 de la National Gallery of Art din Washington, DC și publicarea celui mai bine vândut roman Fata cu cercel de perlă de Tracy Chevalier în 1999. Cartea a transformat subiectul picturii într-o menajeră pe nume Griet, care lucrează în casa lui Vermeer și îi amestecă culorile. Romanul a fost adaptat într-un film nominalizat la Oscar în 2003, cu Scarlett Johansson în rolul fictivei Griet și Colin Firth în rolul lui Vermeer.

Pe măsură ce clădirea Muzeului Mauritshuis (Haga, Olanda) a fost renovată în 2012, Fata cu cercel de perlă a călătorit în Japonia, Italia și Statele Unite. A atras o mulțime de vizitatori în fiecare țară în care a călătorit, atestând locul său ferm în privința publicului. Când s-a întors în Țările de Jos în 2014, Mauritshuis a anunțat că nu va mai împrumuta pictura, asigurând vizitatorii că principala atracție a muzeului va fi întotdeauna acasă.

Muzeul s-a angajat mai târziu într-o investigație de doi ani a operei de artă, publicând descoperirile în 2020. Folosind tehnici moderne de imagistică pentru a privi straturile de sub suprafață, cercetătorii au descoperit o cortină verde în spatele fetei și au confirmat că aceasta are gene, deși pot fi greu de deslușit. Cercetătorii au testat, de asemenea, materialele lui Vermeer, cartografiind sursele pigmenților săi. Astfel, au descoperit că pictorul a folosit cu generozitate costisitorul ultramarin, un pigment derivat din piatra semiprețioasă lapis lazuli, care se găsește acum doar în Afganistan, pentru turban. De asemenea, a folosit un pigment roșu derivat de la o insectă care trăiește în Mexic și America de Sud pentru buzele femeii.

1885: Regele Ferdinand al II-lea al Portugaliei (n. 1816)

1958: Wolfgang Pauli, fizician atomist austriac, laureat al Premiului Nobel (n. 1900)

1966: Walt Disney, producător, desenator și regizor american (n. 1901)

2008: Anghel Rugină, economist american de origine română (n. 1913)

Copy Protected by Chetan's WP-CopyProtect.