Arta

Dali și simbolurile sale, de la ceasurile moi la elefanți cu picioare lungi

---

Dalí era fascinat de fizica cuantică și de teoria catastrofelor la fel de mult ca de omnipotența viselor și a inconștientului. Îi datora mai mult poetului Federico Garcia Lorca decât Galei. A scris o autobiografie, un roman, poezii, a creat decoruri, a scris scenarii, a fost ilustrator pentru ziare și pentru pagini și coperte de reviste, s-a autopromovat făcându-și singur o publicitate excentrică. A fost deosebit de solicitat în domeniul modei, lucrând la crearea de reclame și coperte pentru The New Yorker, Harper’s Bazaar, Vogue și Town & Country. „Și dacă este adevărat că iubesc publicitatea, din o mie și unu de motive, toate respectabile, este un fapt incontestabil că publicitatea mă iubește cu o pasiune mai violentă decât a mea.” (Salvador Dalí și revistele).

La Dali, foarte repede, atitudinea a avut prioritate asupra formei. Un Dalí modern, care a traversat arta conceptuală, a prefigurat hiperrealismul și a îndrăznit să fie literar în pictura sa. Îl adora pe francezul Raymond Roussel, romancier, inventator, muzician, dramaturg și pasionat de șah, a cărui operă a inspirat arta secolului XX, inclusiv suprarealiștii, grupul Oulipo (Ouvroir de littérature potentielle / Atelier de literatură potențială) și autorii Noului Roman. A reinventat obiectele în picturile și sculpturile sale, dându-le noi forme și semnificații.

O figură emblematică a suprarealismului, și-a lăsat amprenta asupra istoriei artei cu lucrările sale onirice și viziunile sale tulburătoare. Dalí a devenit foarte repede faimos pentru stilul său unic, caracterizat prin imagini halucinatorii, forme bizare și juxtapuneri incongruente, neconcordante. Influența sa artistică se extinde mult dincolo de pictură, atingând sculptura, filmul, fotografia și chiar moda. Ceasurile moi ale lui Salvador Dalí surprind această esență suprarealistă, transformând fiecare element al tabloului într-un tribut adus geniului său creativ.

Salvador Dalí s-a născut pe 11 mai 1904, în Figueras, un oraș din regiunea Catalonia, Spania și a fost pictor, sculptor și scenarist spaniol. A făcut parte din grupul suprarealist la începutul carierei sale și a continuat să dezvolte ideile și imaginile mișcării de-a lungul vieții sale. Comportamentul său excentric și picturile sale stranii l-au făcut cel mai cunoscut din grup. Fiu de notar, voia să devină bucătar la vârsta de 6 ani, iar la 7 ani, Napoleon.

A fost fiul lui Salvador Dalí Cusí, notar, ateu și republican care  susținea independența Cataloniei față de Spania, și al Felipei Domènech Ferrés, o romano-catolică, care tolera comportamentul ciudat al fiului său. Salvador Dalí a fost al doilea fiu al lor, primul murise cu nouă luni înainte și fusese numit tot Salvador. O soră mai mică, Ana María, s-a născut în 1908. Salvador Dalí vorbea catalană acasă, dar a învățat și spaniolă și franceză. Copilăria și adolescența sa, în mare parte fericite, s-au încheiat odată cu moartea mamei sale, cauzată de o boală incurabilă, în 1921. La scurt timp după aceea, Dalí s-a înscris la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando din Madrid.

Ca student la artă în Madrid, Dalí a asimilat un număr mare de stiluri artistice și a demonstrat o ușurință tehnică neobișnuită ca pictor. Abia la sfârșitul anilor 1920, însă, două evenimente au dus la dezvoltarea stilului său artistic matur: descoperirea scrierilor lui Sigmund Freud despre semnificația erotică a imaginilor subconștiente și afilierea sa la suprarealiștii parizieni, un grup de artiști și scriitori care căutau să stabilească „realitatea mai mare” a subconștientului uman, mai presus de rațiune. Pentru a scoate la iveală imagini din subconștientul său, Dalí a început să-și inducă stări halucinatorii printr-un proces pe care l-a descris drept „paranoic-critic”.

În 1928, a început să realizeze picturi suprarealiste cu morfologii bizare. În 1929, a întâlnit-o pe Gala, soția poetului Paul Éluard, care i-a devenit soție, muză și model. Format la Școala de Arte Frumoase din Madrid, a fost atras de academism, impresionism și cubism, înainte de a-l citi pe Freud și de a dezvolta o pasiune pentru vise și inconștient.

În privința contextului artistic, istoric și social al operei sale, în 1931, Spania trecea printr-o perioadă de mare sărăcie, iar contextul politic era, de asemenea, instabil: era începutul unei scurte tentative de republică situată între două regimuri totalitare (o monarhie și regimul lui Franco). Mai mult, era perioada interbelică.

În această perioadă, Dalí se alăturase grupului suprarealist. În timpul Primului Război Mondial, scriitori și artiști au creat o mișcare al cărei nume l-au ales la întâmplare (Dada), caracterizată prin punerea sub semnul întrebării a constrângerilor și convențiilor. Suprarealismul a preluat mișcarea Dada. Artiștii suprarealiști doreau să dea frâu liber viselor lor, chiar dacă acest lucru conducea la imagini sau scrieri ciudate și absurde. Suprarealiștii au fost influențați de apariția unei noi discipline: psihanaliza.

Odată ce Dalí a descoperit metoda „paranoic-critică”, stilul său de a picta s-a maturizat cu o rapiditate extraordinară, iar din 1929 până în 1937 a produs picturile care l-au transformat în cel mai cunoscut artist suprarealist. Dali a înfățișat o lume onirică în care obiectele banale sunt juxtapuse, deformate sau metamorfozate într-un mod bizar și irațional. Dalí a portretizat aceste obiecte în detalii meticuloase, aproape dureros de realiste, și le-a plasat de obicei în peisaje sumbre, însorite, care aminteau de patria sa catalană. Poate cea mai faimoasă dintre aceste imagini enigmatice este Persistența memoriei (1931), în care ceasuri inerte, care se topesc, se odihnesc într-un peisaj de un calm straniu.

Împreună cu regizorul spaniol Luis Buñuel, Dalí a realizat două filme suprarealiste – Un chien andalou (1929; Un câine andaluz) și L’Âge d’or (1930; Epoca de aur) – care sunt, în mod similar, pline de imagini grotești, dar extrem de sugestive. În timpul prezentării primului film, Dalí l-a întâlnit pe poetul francez Paul Éluard, unul dintre fondatorii suprarealismului, și pe soția sa, Gala. Aceasta s-a căsătorit cu Dalí în 1934 și a devenit managerul, modelul și muza sa.

La sfârșitul anilor 1930, Dalí a trecut la pictura într-un stil mai academic sub influența pictorului renascentist Rafael. Opiniile sale politice ambivalente din timpul ascensiunii fascismului i-au înstrăinat  pe colegii săi suprarealiști și, în cele din urmă, a fost exclus din grup. Ulterior, și-a petrecut o mare parte din timp proiectând decoruri de teatru, interioare de magazine de modă și bijuterii, precum și demonstrându-și geniul pentru stratageme extravagante de autopromovare în Statele Unite, unde a locuit între 1940 și 1955.

După o ședere în Statele Unite din 1940 până în 1948, unde influența lui s-a extins la modă, publicitate și decoruri de balet, s-a întors în Spania, a trăit o criză religioasă și a redescoperit tradiția barocă și peisajele din copilărie, în armonie cu temperamentul său.

Și-a dezvăluit personalitatea bogată și complexă prin scrierile sale: Viața secretă a lui Salvador Dalí, în 1942, și Jurnalul unui geniu, în 1954.

În perioada 1950-1970, Dalí a pictat multe lucrări cu teme religioase, deși a continuat să exploreze subiecte erotice, să reprezinte amintiri din copilărie și să folosească teme centrate pe soția sa, Gala. În ciuda realizărilor lor tehnice, aceste picturi ulterioare nu sunt la fel de apreciate ca lucrările anterioare ale artistului.

„Modestia nu este tocmai specialitatea mea.” (Salvador Dali)

Cea mai interesantă și revelatoare dintre cărțile lui Dalí este Viața secretă a lui Salvador Dalí (1942). Pe lângă arta și scrierile sale, Dalí și-a creat și un monument dedicat sieși, Teatrul-Muzeu Dalí, în orașul său natal, Figueras, care s-a deschis în 1974 și prezintă opere de artă din colecția sa. Muzeul a fost proiectat de artist și construit pe ruinele clădirii teatrului local care a fost distrus într-un incendiu în timpul Războiului Civil Spaniol. Tot acolo Dalí expusese unele dintre primele sale opere de artă.

Un alt muzeu dedicat suprarealismului a fost fondat de colecționarii A. Reynolds și Eleanor Morse în 1982 și se află în St. Petersburg, Florida.

Simbolurile operei daliniene

Mistic autoproclamat, Salvador Dalí a introdus simboluri recurente în operele sale. Celebrele sale ceasuri moi, dar și elefanți cu picioare lungi, îngeri și sertare. Care este semnificația din spatele acestor simboluri?

Este imposibil să te gândești la Salvador Dalí fără să-ți imaginezi ceasurile sale moi, care se preling  încet. Acestea, la fel ca mustața sa, au devenit emblema pictorului și sculptorului considerat unul dintre marii reprezentanți ai mișcării suprarealiste. Dar aceste celebre ceasuri de buzunar nu sunt singurele obiecte din opera celebrului pictor catalan: sertare încorporate în corpuri umane, îngeri cântând la trompete și chiar elefanți cocoțați pe picioare lungi, ca niște picioroange… Salvador Dalí și-a presărat întreaga operă cu simboluri evocatoare.

Ceasurile moi și „Paranoia critică”

Este probabil una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale: Persistența memoriei, mai cunoscută publicului larg sub numele de Ceasurile moi sau Ceasurile topite, un ulei pe pânză de mici dimensiuni (33 x 24 cm), pictat în 1931. Această lucrare înfățișează plaja din Portlligat, în nordul Cataloniei, unde ceasurile de buzunar par să se topească pe o piesă de mobilier sau chiar pe o creangă. În opera sa autobiografică Viața secretă a lui Salvador Dalí, artistul povestește cum i-a venit ideea observând un Camembert moale în farfurie.

Dalí, care făcuse parte din mișcarea suprarealistă fondată de André Breton timp de doar doi ani, a aplicat apoi o metodă inventivă proprie: paranoia critică. Și-a lăsat mintea să halucineze, imaginându-și interpretări delirante care se structurau împreună – aceasta este partea de paranoia – înainte de a le obiectiva prin viziunea sa artistică – aceasta este partea critică. Apoi a reinterpretat Camembert-ul sub forma unor ceasuri care picură, pe care le-a așezat pe pânza pe care o picta. În imaginația lui Dalí, acestea sunt legate de două concepte: fascinația sa pentru contrastul dintre obiectele moi și cele dure – artistul își exprimase deja disprețul pentru amorf – și, de asemenea, interesul său pentru noțiunea de temporalitate.

Prin aceste ceasuri, Dalí transpune pe pânză moliciunea timpului, modul în care acesta poate varia în funcție de percepția umană și, astfel, abordează tema universală a trecerii timpului și a morții, una dintre marile sale anxietăți. În iunie 1951, într-un interviu oarecum incoerent acordat canalului RTF, Dalí a discutat despre percepția sa asupra suprarealismului și a povestit fascinația sa pentru ceasurile moi:

“Am fost primul, în Le Minotaure (o revistă suprarealistă), care m-am ocupat aproape exclusiv de fizică, când toți ceilalți suprarealiști erau vag preocupați doar de freudism. Ceasurile moi corespund acestei preocupări, acum din ce în ce mai mari, [pentru] fizica modernă.” (Interviu cu Dali, 29 iunie 1951)

Sertarele și psihanaliza

„Femeie în flăcări” (Woman aflame), Salvador Dali (1980)

Această sculptură reunește două dintre obsesiile lui Dalí: focul și o figură feminină cu sertare. Flăcările din spatele figurii feminine par să aibă o viață proprie și reprezintă intensitatea ascunsă a dorinței inconștiente, în timp ce sertarele reprezintă misterul secretelor ascunse. Această femeie fără chip simbolizează toate femeile. Pentru Dali, misterul unei femei este adevărata ei frumusețe.

Personajele cu sertare sunt o parte integrantă a iconografiei lui Dalí, în special în sculpturile sale, cea mai faimoasă dintre acestea fiind, fără îndoială, Venus din Milo cu sertare, pe care a creat-o în 1964. Dar Dalí a folosit acest concept încă din 1936 cu pictura sa Cabinetul antropomorf, iar apoi, un an mai târziu, cu Girafa în flăcări.

Artistul era fascinat de psihanaliza și de opera lui Freud. Pentru el, sertarele se refereau la psihic și inconștient, la mistere ascunse. Când a creat Venus din Milo cu sertare, a explicat:

“Civilizația greacă nu cunoștea introspecția, nici Freud, nici creștinismul. Cu sertarele, acum este posibil să vedem sufletul lui Venus din Milo prin intermediul corpului ei.”

Întâlnirea cu Freud și excluderea din mișcarea suprarealistă

Dalí nu avea să rămână mult timp alături de suprarealiști, în special din cauza întâlnirii sale cu Freud din 19 iulie 1938, la Londra, despre care a relatat în 1953 în cadrul emisiunii Couleur de ce temps (Culoarea acestui timp):

“Când l-am văzut pe Freud, când l-am întâlnit la Londra, mi-a spus: „Critica pe care o am la adresa picturii suprarealiste este că poți vedea ceea ce caut eu: nu mai caut inconștientul, ci caut conștientul în toate aceste picturi. În timp ce în picturile clasice, ceea ce mă preocupă, ceea ce mi se pare misterios și tulburător, este tocmai căutarea ideilor subconștiente, a laturii ascunse și enigmatice a picturii, dar la tine nu există asta, pentru că totul este manifest, misterul tău este manifest. Acesta este unul dintre lucrurile care m-au convins cel mai mult de necesitatea de a abandona metoda automată și de a dezvolta teme mai ample, teologice.”

În 1939, Dalí a devenit astfel un „ex-suprarealist” când André Breton l-a exclus din mișcare. Artistul nu a fost deosebit de preocupat de acest lucru:

“Mă consider și sunt de acord cu André Breton că sunt un fost pictor suprarealist. Cele mai subversive și, în același timp, cele mai inevitabile lucruri care i se pot întâmpla unui fost pictor suprarealist sunt două: în primul rând, să fi devenit mistic și, în al doilea rând, să știe să picteze. […] Chestiunea tehnică era de o importanță secundară pentru noi, deoarece doream doar să înregistrăm imaginile care proveneau din inspirația noastră, din metoda noastră de interpretare, fie ea paranoic-critică sau automată.”

Elefanți, rinoceri și melci: întoarcerea la credință

Încă din 1948, Dalí și-a pictat tabloul Elefanții, înfățișând pachidermi cocoțați pe picioare lungi, ca niște păianjeni. Aceștia au fost inspirați de elefantul de pe obeliscul lui Bernini, situat în Piazza della Minerva din Roma. Obeliscul din Piazza della Minerva este unul dintre obeliscurile egiptene aduse la Roma pentru a fi amplasate lângă Templul lui Isis din Campus Martius. Acum se află în fața Bazilicii Santa Maria in Campo di Marte. Picioarele subțiri ale animalului contrastează cu senzația de greutate emanată de pachiderm, mai ales că acesta are deasupra sa, pe spate, un obelisc mare, simbol al puterii și al dominației.

Elefant spațial (Space elephant), Salvador Dali, 1980

Elefantul de pe obeliscul lui Bernini, Piazza della Minerva, Roma

Invitat la emisiunea RTF „Dimanche dans un fauteuil” (Duminică într-un fotoliu) în 1958, Salvador Dalí a explicat, în termeni aproape ezoterici, relația dintre elefant și religie:

“Acest elefant este simbolul papalității, deoarece în Piazza della Minerva din Roma se află un elefant pe spatele căruia există un obelisc care poartă toate simbolurile papalității. Cred că noul Papă, Sanctitatea Sa Ioan al XXIV-lea, reprezintă restaurarea tuturor valorilor morale și simbolul unității monarhice în lume. Pontificatul său va fi cel al venirii unității, într-un sens din ce în ce mai monarhic. Încă din Evul Mediu, urechea a fost un simbol al armoniei, concordiei și păcii pastorale.” (Interviu cu Salvador Dali, Duminică într-un fotoliu, 23.11.1958)

Elefanții lui Dalí marchează revenirea sa la religie. Pictorul vede, de asemenea, în spirală, omniprezentă în opera sa, o formă a geometriei divine: „În inima urechii anatomice, ca în toate urechile, există spirala matematic logaritmică unică, care este simbolul perfect al armoniei”, a continuat artistul, înainte de a face legătura cu cornul de rinocer, unul dintre celelalte animale preferate ale suprarealismului:

“Curba logaritmică a cornului de rinocer tocmai m-a condus la curba logaritmică din interiorul urechii umane, atât de mult încât în ​​această vară am petrecut patru luni pictând o pictură imensă, înaltă de 6 metri, reprezentând Madonna Sixtină a lui Rafael. A fost o premoniție a acestei urechi a actualului papă… Ambiția mea este să creez un înger, să pictez un înger! Dar sunt foarte precaut; am preferat să încep prin a picta doar o ureche de înger. Este în marea tradiție a misticilor spanioli să începi cu o ureche.”

Melcul și îngerul (1977) de Salvador Dalí

Această spirală se regăsește și în melcii pe care artistul i-a pictat și sculptat, alături de o altă temă dragă lui Dalí: opoziția dintre moale și dur, carnea animalului și duritatea cochiliei sale.

Îngerii, între misticism și fizica particulelor

Înger triumfător (1976) de Salvador Dalí

„Cred că artiștii ar trebui să aibă noțiuni științifice pentru a avansa la un alt nivel, cel al unității”, a afirmat Salvador Dalí. În 1949, după ce și-a făcut avere la New York, Dalí s-a întors să locuiască în Catalonia, unde s-a reîntors la credința catolică. Apoi și-a orientat arta către teme sacre și cerești și le-a legat de știință. În Manifestul său mistic, publicat în 1951, a exprimat legătura pe care a perceput-o între știință și religie:

“Explozia atomică din 6 august 1945 m-a zguduit seismic. De atunci, atomul a fost subiectul meu preferat de reflecție. Multe dintre peisajele pictate în această perioadă exprimă marea frică pe care am simțit-o la vestea acestei explozii, am aplicat metoda mea paranoic-critică pentru explorarea acestei lumi. Vreau să văd și să înțeleg forța și legile ascunse ale lucrurilor, pentru a le stăpâni, desigur. Pentru a pătrunde în inima realității, am intuiția genială că am la dispoziție o armă extraordinară: misticismul, adică intuiția profundă a ceea ce este comunicarea imediată cu întregul, viziunea absolută prin harul adevărului, prin harul divin.”

În emisiunea din 1953, Couleur de ce temps, Dali a explicat astfel că „știința modernă, odată cu integrarea dezintegrării materiei, ni-l arată pe Dumnezeu pentru prima dată. […] În epoca suprarealistă, am fost singurul care era interesat și scria articole despre fizica modernă, în timp ce ei au continuat să se ocupe strict de psihologie”:

“[Fizica nucleară] ne arată un proces de dematerializare constantă a materiei. Există un proces de spiritualizare în sensul că materia le scapă din mâini oamenilor de știință; există o criză mistică. Aceasta este atitudinea opusă secolului trecut, când oamenii de știință erau necredincioși prin definiție.

Dalí sintetizează astfel ceea ce el numește „misticism nuclear” și clasicism. El leagă fizica particulelor și misticismul: potrivit lui, protonii și neutronii sunt vectorii puterii îngerilor și contribuie la elevație. Pentru artist, îngerii au capacitatea de a pătrunde în bolta lui Dumnezeu; ei sunt legătura dintre uman și divin.”

Vorbind din nou despre relația sa cu sacrul, Dali spunea:

“[Spiritualitatea] este viscerală. Cred că aceasta este calea trasată spre angelic: dematerializarea. Există un proces constant de dematerializare care merge de la fără formă la înger, îngerul fiind apogeul spiritualității.”

Semnificația „Ceasurilor moi” ale lui Dalí

Salvador Dalí este una dintre cele mai influente și excentrice personalități artistice ale secolului XX. Figură cheie a suprarealismului, a produs peste 1.500 de picturi. Printre cele mai cunoscute creații ale artistului se numără Marele Masturbator, Ispita Sfântului Anton și Persistența memoriei.

Persistența memoriei, ulei pe pânză, 33 x 24 cm, Salvador Dali, 1931

Pictată în 1931, Persistența memoriei este un ulei pe pânză care înfățișează ceasuri moi pe o plajă din Catalonia. Acestea au o structură flască și par să se topească la soare. Deși acesta este subiectul principal al picturii, opera lui Dalí include și alte detalii care au făcut-o celebră, dacă nu chiar legendară. Pe acest țărm pustiu pot fi văzute și furnici, o muscă, un ou și o oglindă. Toate acestea sunt elemente de o importanță alegorică notabilă pentru o înțelegere corectă a acestei picturi și a viziunii artistului.

Ceasurile moi sunt o declarație îndrăzneață a lui Salvador Dali de a lua în derâdere timpul și relația pe care i-o atribuim. Aceste obiecte reprezintă măsurarea și liniaritatea timpului. În timp ce opera lui Dali subliniază inevitabilitatea acestuia, subînțelegând proximitatea morții, ea distorsionează însăși natura obiectului și a conceptului. Ceasurile moi demonstrează că timpul este doar o chestiune de percepție, de relativitate. De altfel, toate afișează o oră diferită. Acestea posedă o textură maleabilă, ca și cum s-ar putea manipula această noțiune sau cel puțin să se mențină iluzia că timpul nu are nicio influență asupra existenței noastre.

Celelalte simboluri din Persistența memoriei

În Persistența memoriei, ipoteza timpului maleabil este confirmată de ceasul portocaliu, situat în stânga picturii. Acesta este singurul ceas care nu este deformat. Cu toate acestea, este acoperit de furnici. La fel ca și musca, aceste insecte simbolizează moartea și descompunerea, întărind caracterul organic al obiectelor. Există și alte aluzii la viață și moarte care se află pe pânză. Acesta este și cazul oului. Nu departe de munții Capului de Creus, acesta evocă reînnoirea și nașterea.

Cap de Creus este un promontoriu situat în nord-estul Spaniei, la Marea Mediterană. Este punctul cel mai estic al Munților Pirinei. Acesta separă Golful Leului la nord și Golful Trandafirilor la sud, în comitatul Alt Empordà, la rândul său în provincia Girona din Catalonia. Creus este pluralul lui creu, care înseamnă „cruce” în catalană.

Cât despre măslin, simbol al înțelepciunii, acesta este un copac mort, uscat. În cele din urmă, oglinda reprezintă o ușă între lumea viselor și realitate. Pentru artist, ea implică și inconstanța acesteia din urmă, precum și schimbarea.

„Persistența memoriei” este cea mai faimoasă pictură a lui Salvador Dali. Aceasta înfățișează un peisaj suprarealist în care timpul este fluid și distorsionat, tabloul fiind faimos pentru ceasurile sale topite.

Această lucrare onirică nu numai că provoacă percepțiile convenționale asupra timpului, dar împletește și temele memoriei și percepției, incitând privitorii să exploreze mai adânc propria conștiință.

Dali ne invită să explorăm subconștientul într-un peisaj oniric în care structurile rigide se prăbușesc, iar esența abstractă a realității se distorsionează. Pictura folosește culori vibrante și detalii complexe pentru a întări calitatea suprarealistă a ceasurilor, fiecare ceas topit servind ca o reamintire a naturii relative a timpului.

Peisajul gol simbolizează izolarea și introspecția. Fiind una dintre cele mai semnificative lucrări ale mișcării suprarealiste, „Persistența memoriei” încurajează dialogul despre momentele trecătoare care constituie experiența umană.

Pictorul spaniol Salvador Dalí, considerat unul dintre principalii reprezentanți ai suprarealismului și una dintre figurile magistrale ale artei secolului XX, a creat prin Persistența memoriei o lucrare-cheie și una dintre capodoperele sale.

Angoasa timpului

Mai cunoscută sub numele de Ceasurile moi, această pictură este tipică perioadei suprarealiste a lui Dalí. Pictorul înfățișează o scenă plasată în Portlligat. Pe mai multe planuri, ceasuri amorfe stau alături de o creatură întinsă pe pământ.

Aceste ceasuri topite simbolizează lupta împotriva timpului, o luptă pe care niciun om nu o poate câștiga. Inspirat de o bucată de brânză Camembert topită și fascinat de teoria relativității a lui Einstein, Dalí și-a finalizat foarte repede pictura. Timpul nu mai trece. Pare să se fi oprit de mai multe ori. Insectele de pe ceasuri par să semnifice putrefacția / descompunerea viului, a vieții. Cu alte cuvinte, moartea.

Aceasta din urmă este o temă prezentă în întreaga sa operă, asemenea acelui copac mort rezistând cumva trecerii timpului. Totuși, privirea noastră este atrasă, fără îndoială, de această creatură amorfă și stranie întinsă pe pământ. Dali era un adept al autoportretului. Pictorul se distinsese în acest gen în două lucrări anterioare: Marele Masturbator și Enigma Dorinței.

Liderul suprarealismului era, de asemenea, înrădăcinat în prezent. Într-adevăr, cum poate cineva reprezenta moartea și trecerea timpului fără a picta un peisaj pașnic? Astfel, se observă calmul din fundal. Moartea se alătură veșniciei.

Considerată cea mai mare capodoperă a sa, lucrarea Persistența memoriei (1931) este una dintre cele mai faimoase picturi în ulei pe pânză ale extravagantului Salvador Dalí, o figură importantă a mișcării suprarealiste. Dali a declarat sobru: „Suprarealismul sunt eu”.

O capodoperă ancorată în epoca sa

Dalí a pictat Persistența memoriei în 1931, un an marcat de instabilitate politică în Spania. Țara se confrunta cu apariția celei de-a Doua Republici Spaniole, care a fost rapid zdruncinată de Războiul Civil din 1936. Această situație a dus la ascensiunea la putere a lui Franco în 1939. Spania trecea printr-o perioadă de mare sărăcie, prinsă între două regimuri totalitare. Anterior, Marele Război expusese publicul unei brutalități fără precedent, pe care o nouă generație de artiști a deplorat-o. Din acest dezgust profund s-a născut spiritul dadaismului. Grupul a respins definițiile convenționale ale artei și ale tradițiilor sale. Această idee a continuat în suprarealism, pe care fondatorul său, André Breton, l-a definit ca „automatism psihic pur, în absența oricărui control exercitat de rațiune” (Manifestul Suprarealist, 1924).

Psihanaliza ocupă evident un loc proeminent în mișcare. Temele majore includ inconștientul, visele, timpul și moartea. Salvador Dalí s-a alăturat mișcării în 1929, după ce i-a cunoscut pe unii membri ai grupului prin intermediul pictorului și sculptorului spaniol Joan Miró. În același an, a cunoscut-o pe viitoarea sa soție, Gala, prin intermediul soțului acesteia de la acea vreme, Paul Éluard. Când a pictat Persistența memoriei, artistul se reconstruia atât personal, cât și artistic fiind în plină perioadă suprarealistă.

Paranoia critică în slujba Persistenței memoriei

Cerul crepuscular din Persistența memoriei este cel al unei plaje din apropierea orașului Portlligat, în nordul Cataloniei, regiunea natală a lui Salvador Dalí. Ideea acestei picturi i-a venit în timp ce Gala și niște prieteni plecaseră la cinema. Dalí s-a trezit singur într-o bucătărie ciudat de tăcută. Privirea sa a căzut brusc asupra unei bucăți de Camembert, tot singură în centrul farfuriei sale. Era moale. Curgea. Artistul și-a lăsat apoi mintea să rătăcească și a recurs la o tehnică de creație proprie: paranoia critică.

Această tehnică este formată din două etape diametral opuse. Mai întâi, Dalí a fantazat și a permis celor mai delirante gânduri ale sale să se manifeste, doar pentru a le obiectiva ulterior. Astfel, brânza moale care se scurgea s-a transformat în ceasuri de buzunar care picurau. Acestea demonstrează fascinația artistului pentru temporalitate. Dalí și-a pictat ceasurile peste peisajul care doar le aștepta. Astfel s-a născut Persistența memoriei.

Simbolurile ascunse în obiectele din lucrarea Persistența memoriei

„Suprarealismul sunt eu”, spunea Salvador Dalí. Un rebel excentric și un geniu recunoscut în timpul vieții sale, a creat peste 1.500 de lucrări. Una dintre cele mai mici, dar și cele mai copiate picturi ale sale este „Persistența memoriei”. Chiar și în ziua de azi, această pânză, care măsoară doar 24 x 33 cm, încă stârnește discuții aprinse în rândul criticilor de artă.

Majoritatea obiectelor de pe pânză sunt „semnele distinctive” ale maestrului și pot fi regăsite de la o pictură la alta.

Pe baza unor fragmente din diverse interviuri și scrisori ale lui Dalí însuși, povestea creării tabloului este următoarea: Salvador avea o durere de cap, iar soția sa, Gala, plecase la cinema cu prietenii fără el. Pictorul, rămas singur, nu făcea decât să scruteze camera cu o privire somnoroasă. O rotiță de brânză Camembert se topea încet pe masă, în lumina soarelui. Tocmai această brânză topită i-a dat naștere ideii ceasurilor moi. Dalí a uitat complet de durerea de cap și s-a grăbit spre atelierul său. Acolo, pe o pânză, terminase deja peisajul din împrejurimile orașului Portlligat. Pictorul și-a luat pensulele și, iată, ceasurile au apărut peste peisaj. Mai târziu, Salvador Dalí s-a lăudat că a creat „ceasurile moi” în două ore. Când Gala s-a întors de la cinema, o nouă capodoperă o aștepta pe șevalet.

De asemenea, în autobiografia sa, Viața secretă a lui Salvador Dali, autorul explică faptul că într-o seară, după ce și-a terminat masa cu un Camembert lichid, a devenit interesat de „problemele ridicate de «super moale»”. Apoi a decis să finalizeze tabloul pe care îl picta în prezent (un peisaj lângă Port Lligat, în Catalonia) adăugând ceasurile moi. Acest tablou, prin aluzia la Camembert, reflectă dimensiunea ludică, jucăușă și provocatoare a lui Dali. Un comerciant american a redenumit tabloul Persistența memoriei. În titlu, „a persista” (a continua, a persevera, a persista…) este legat de memorie. Legătura se face între noțiunile de durată, persistență și timp al memoriei. Această lucrare se referă într-adevăr la un mesaj mai profund: o reflecție asupra complexității timpului. Aranjamentul elementelor cu simbolismul lor, culorile și utilizarea luminii pun în contrast cele două prim-planuri cu fundalul.

Prin cele patru ceasuri moi ale sale, deformate și oprite, Dali neagă funcția principală a unui ceas, care este aceea de a indica timpul și de a vedea trecerea timpului. Prin urmare, ele simbolizează inutilitatea măsurării timpului. Dali sugerează eliberarea de constrângerile materiale și de rigiditatea lumii prin eliberarea de trecerea timpului. Fără ceas, timpul devine etern și totul devine posibil, la fel ca în vise.

Peisajul din Port Lligat (lângă orașul Cadaqués): simbolizează lumea reală, dură și solidă, unde memoria persistă, deoarece este un peisaj foarte drag lui Dali – și-a petrecut tinerețea și apoi viața în Catalonia. Acest peisaj foarte luminos atrage privirea și liniștește privitorul datorită tonurilor sale calde.

Astfel, ochiul vede mai întâi o lume imaginară, suprarealistă, întunecată și dezolantă (moartea) în prim-plan, apoi un peisaj real, luminos, ancorat în trecut și neschimbat – stâncile și plaja.

Culorile maronii ale solului și ale obiectului paralelipipedic, culorile reci ale ceasurilor moi, griul vârfului copacului mort creează o atmosferă ternă, chiar sumbră. Doar ceasul din prim-plan oferă o culoare portocalie mai caldă, dar pare devorat de furnicile care îl acoperă. Pe de altă parte, fundalul, datorită strălucirii cerului și culorii galbene a rocilor, pare scăldat într-o lumină care radiază puțin și pe pământ și pe obiectul paralelipipedic.

Persistența memoriei de Salvador Dalí cufundă privitorul într-un univers oniric și într-adevăr straniu, unde suprafețele dure și moi se află în centrul atenției. Lucrarea este derutantă deoarece pune în contrast suprarealismul cu realitatea. Ea pune sub semnul întrebării inevitabilitatea timpului și concretizează obsesia artistului pentru simbolismul său. Prin urmare, lucrarea ridică mai multe întrebări. Ne domină timpul inevitabil? Îl putem modela sau ne scapă? Un lucru este sigur: timpul trece, dar lasă în urmă amintiri, iar memoria persistă.

Dali, un artist suprarealist, combină obiecte reale și imaginare pentru a arăta că viața omului este efemeră și zadarnică, dar amintirile, evidențiate în pictură, persistă. Această lucrare este o reprezentare simbolică a timpului care trece inexorabil de la naștere la moarte, în timp ce memoria – aducerea aminte – traversează timpul și persistă în noi. De altfel, Dali i-ar fi spus Galei despre această pictură: „Nimeni nu va putea uita această pictură după ce o va vedea”, convins fiind că imaginea acestor ceasuri moi va persista în memoria tuturor.

Opoziția dintre moale/dur, suprarealist/real, tulbură și îl face pe privitor să se simtă inconfortabil, făcându-l să pună la îndoială prezența ceasurilor și, prin urmare, trecerea timpului. În pictură, Dali își traduce obsesia de a controla timpul, natura lui inevitabilă (de care nu se poate scăpa), care îi conduce pe toți la finalul vieții. Dar, în funcție de activitățile în care fiecare persoană se angajează, timpul poate părea că se întinde la nesfârșit sau, dimpotrivă, că trece prea repede. Relativitatea timpului este cea care este evidențiată aici.

Acestea ar putea fi posibilele interpretări ale acestei capodopere suprarealiste. Persistența memoriei sau  Ceasurile moi, a lăsat o impresie de durată și continuă să fascineze iubitorii de artă… Gala a declarat chiar că „nimeni nu o poate uita după ce a văzut-o”.

Ceasurile moi (1). Acestea simbolizează timpul neliniar. Timpul este relativ, în mișcare. Ca și în visele noastre, trecutul, prezentul și viitorul coexistă și funcționează în sinergie, acționează împreună. Pe scurt, este timpul în care trecutul, prezentul și viitorul coexistă simultan (de exemplu, așa cum se întâmplă în visele noastre). Datorită acestui fenomen neliniar putem vedea trei dimensiuni ale timpului într-o singură prezentare. Ceasul atârnat de un copac fără frunze reprezintă trecutul. Cel de pe masă, care se scufundă în abis, reprezintă prezentul. Acesta marchează o oră clar lizibilă (7 fără cinci minute). Cel de pe capul adormit este viitorul. Descifrând obiectele, se poate înțelege de ce fiecare dintre ceasuri este plasat pe o anumită suprafață: nu este o coincidență. Fiecare ceas, plasat pe o suprafață diferită, reprezintă aceste trei temporalități.

Un ceas portocaliu (2). Obiectul de pe marginea frontală a mesei este, de asemenea, un ceas. Dar acesta, spre deosebire de celelalte trei, este solid, nu se topește, deoarece simbolizează timpul liniar, unde trecutul și prezentul sunt distincte și nu mai coexistă simultan. Nu putem controla acest ceas, deoarece se mișcă inexorabil înainte. El reprezintă trecerea timpului, chiar dacă este răsturnat și acoperit de furnici. Pictorul refuză să accepte această noțiune de timp, motiv pentru care întoarce cadranul ceasului cu susul în jos, îl așază cu fața în jos și pune furnici deasupra.

Furnicile (3). Aceste insecte sunt literalmente împrăștiate peste tot pe ceasul portocaliu. Furnicile din opera artistului simbolizează decăderea, descompunerea, distrugerea și moartea. Pictorul a făcut această asociere încă din copilărie. Odată, micuțul Salvador a văzut furnici roind peste un liliac fără viață și acest lucru l-a șocat. Aici, în pictură, furnicile de pe ceas simbolizează efemeritatea vieții pe Pământ.

Musca (4). Pentru Dalí, muștele erau „zânele Mediteranei”. În Jurnalul unui geniu, a scris: „Ele inspirau filosofii greci care și-au petrecut întreaga viață sub soare, cu muște peste tot pe corp.” Musca din pictură este un simbol al inspirației care l-a invadat când a creat acest tablou. Dar aceasta simbolizează și timpul care zboară, fuge și trece.

Capul culcat (5). Ceva zace pe pământ. Plasat în centrul tabloului, acesta este subiectul principal. Dacă vă lăsați imaginația să zburde, veți vedea clar contururile feței unei persoane care doarme: nasul cu o umflătură recognoscibilă, limba, genele și chiar o sprânceană galben-aurie. Pare un cap alungit, văzut din profil, ca și cum ar fi întins pe pământ, cu pleoapa mare, cu gene lungi, închisă și o limbă pare să-i iasă din gura deschisă. Acesta este autoportretul pictorului. „A dormi este un mod de a muri, sau cel puțin de a muri față de realitate; și mai bine, este moartea realității”, a scris Dali. Autoportrete similare se regăsesc adesea și în alte lucrări ale pictorului. O colecție deosebit de mare poate fi găsită în tabloul „Marele Masturbator”.

Capul ciudat care stă întins pe pământ ar putea reprezenta pictorul sau lumea sa interioară și lumea sa onirică. Acesta simbolizează, prin pleoapa închisă, onirismul, delirul provocat de obsesii sau de halucinații și lumea interioară. Forma sa de foetus reprezintă nașterea. Dali a vrut astfel să marcheze calea vieții de la naștere (această formă) până la moarte (măslinul sterp, furnicile și timpul). Furnicile care atacă ceasul simbolizează putrefacția (Dali asocia furnicile cu descompunerea și, prin urmare, cu moartea).

Oglinda (6). Simbolizează schimbarea și inconstanța. Este capabilă să reflecte atât realitatea, cât și imaginarul, lumea viselor.

Copacul uscat (7). Copacul uscat și mort din pictură este un măslin, simbol al înțelepciunii în Antichitate. Pictorul credea că în lumea modernă, această înțelepciune „adevărată” nu mai există. De aceea, copacul este mort, iar ceasul care se află pe el este un simbol al trecutului.

Țărmul pustiu (8). Nu este o coincidență faptul că peisajul pare atât de abandonat. Plaja este pustie, iar pământul pare tare. Țărmul simbolizează izolarea și introspecția, suferința și vidul emoțional resimțit de artist în acea perioadă. Prin urmare, peștele eșuat pe țărm, aflat lângă oglindă, ar fi personificarea artistului.

Marea (9). Pentru Dalí, marea simboliza eternitatea, nemurirea și un loc ideal pentru a călători. Tocmai pe mare trecerea timpului nu este obiectivă, ci este supusă ritmului intern al conștiinței călătorului: aceasta este ceea ce credea artistul. De asemenea, marea luminoasă simbolizează memoria și lumea reală, imuabilă. Aceasta contrastează cu prim-planul întunecat, care evocă o lume imaginară și apăsătoare.

Munții (10). Pânza înfățișează Capul de Creus, situat nu departe de orașul Figueres, locul de naștere al lui Dalí. Acest peisaj este recognoscibil și apare în mai multe dintre tablourile pictorului. Salvador era fascinat de amintirile copilăriei și îi plăcea să le înfățișeze pe pânze. Munții sunt ancorați în pământ ca și cum ar fi ancorați în trecut. Ei compun peisajul copilăriei pictorului catalan.

Oul (11). Acesta este unul dintre cele mai recunoscute simboluri din picturile lui Dalí. Unul poate fi găsit și în Persistența memoriei, un mic oval lângă mare, lângă munți. Oul din toate picturile artistului simbolizează schimbarea, nașterea a ceva nou și, prin urmare, reînnoirea. Pictorul a împrumutat acest simbol de la orfici, misticii greci antici. Conform mitologiei, prima zeitate bisexuală, Protogonus, care a creat omenirea, s-a născut din oul cosmic. Cele două jumătăți ale cochiliei formau cerul și pământul, de unde și plasarea oului în imagine.

Dacă combinăm toate aceste componente într-un întreg, putem concluziona că semnificația principală a imaginii este că timpul este relativ, dar constant în mișcarea sa, în timp ce memoria este de scurtă durată, dar stabilă. Persistența memoriei face parte din perioada freudiană din opera lui Dalí. Pictura poartă și un alt nume neoficial: Ceasurile moi.

Pictorul a creat această capodoperă în 1931, când avea doar 27 de ani. Foarte repede, în 1934, Muzeul de Artă Modernă din New York a devenit „noua casă” a lucrării.

Salvador Dalí, un adevărat suprarealist?

Persistența memoriei de Salvador Dalí explorerază temele majore ale picturii suprarealiste: imaginația, visele și sinele interior. La momentul creării sale, iconografia lui Dalí era profund influențată de psihanaliza freudiană. Într-adevăr, artistul era fascinat de opera lui Freud, iar întâlnirea lor memorabilă a marcat inevitabil un punct de cotitură în cariera sa. Pe 19 iulie 1938, la Londra, cei doi bărbați s-au întâlnit în sfârșit. Freud a vorbit apoi despre pictura suprarealistă. Potrivit lui, mișcarea evidențiază ceea ce caută: inconștientul. Misterul suprarealiștilor este evident. Fondatorul psihanalizei, la rândul său, preferă să sape mai adânc pentru a o pune sub semnul întrebării.

Această revelație a zguduie certitudinile reacționarului Salvador Dalí, care este excomunicat din grup în 1939 de către liderul acestuia, André Breton.

Ceasurile moi: simbolul timpului elastic

Unul dintre cele mai faimoase motive ale lui Salvador Dalí sunt ceasurile moi, devenite celebre datorită picturii sale „Persistența memoriei” (1931). Aceste ceasuri, care par să se topească și să curgă, simbolizează natura flexibilă și subiectivă a timpului. Dalí a dorit să reprezinte un concept de timp care sfidează convențiile rigide ale societății

Timpul este o creație a minții, maleabilă și relativă. Salvador Dalí a fost un inovator constant, căutând mereu noi modalități de a explora și exprima ideile sale. A colaborat adesea cu artiști și oameni de știință, explorând noi tehnici și tehnologii pentru a împinge limitele artei sale.

Expusă pentru prima dată la galeria de artă alui Julien Levy în 1932, se află în colecția Muzeului de Artă Modernă din New York începând din 1934.

Contextul realizării lucrării

Conform Fundației Gala-Salvador Dalí, deși nu există nicio certitudine cu privire la amplasamentul tabloului, este probabil ca acesta să fi fost executat în Portlligat, la scurt timp după ce cuplul cumpărase acolo o căsuță de pescari în martie 1930 și la începutul intensei efervescențe artistice care a marcat apariția celei de-a Doua Republici Spaniole (1931-1939), odată cu formarea GATCPAC (Grupul Arhitecților și Tehnicienilor Catalani pentru Progresul Arhitecturii Contemporane), de exemplu.

Dalí se afla atunci la apogeul perioadei sale suprarealiste; fusese integrat în cercul suprarealist parizian din 1929 și inventase recent metoda paranoic-critică. Relația sa cu Gala și o acuzație de blasfemie la adresa mamei sale duseseră la o ruptură a relațiilor cu familia sa cu doi ani mai devreme. Artistul se afla în mijlocul unei reînnoiri atât artistice, cât și personale.

Fotografie realizată în anii 1950 cu pictorul spaniol Salvador Dali prezentând „ceasul moale”, de fapt o rotiță de brânză Camembert topită

În opera sa autobiografică, Viața secretă a lui Salvador Dali, pictorul explică faptul că, după o masă cu prietenii și soția sa, trebuia să însoțească grupul la cinema, dar, având o migrenă, a preferat să-i lase să plece fără el. Când au plecat, privirea i-a căzut asupra Camembert-ului moale de pe farfurie. Și-a amintit apoi de timpul petrecut cu Gala. Dali a concluzionat că puternicul ei caracter îi crease o carapace, o cochilie, sau o crustă, care îl proteja de exterior, dar în interior, se regăsea „complet moale”.

Aplicând metoda sa suprarealistă paranoic-critică, s-a inspirat din Camembert-ul moale pentru a-și înfățișa obsesia pentru timp și moarte ca un ceas moale. Pictase deja fundalul următorului său tablou: peisajul deșertic din Portlligat cu stâncile sale și schițase un măslin. A adăugat ceasurile în timpul proiecției filmului.

Descrierea tabloului

Finalizate în 1931, „Ceasurile topite” din Persistența memoriei de Salvador Dalí au devenit rapid o senzație mondială.

Persistența memoriei este un tablou de mici dimensiuni, măsurând doar 33 × 24 cm. Mai multe dintre imaginile recurente preferate ale lui Dalí sunt prezente în această lucrare.

În fundal se află golful Portlligat, de care Dalí era foarte atașat și care, potrivit lui Robert Descharnes, servea adesea drept „fundal, suport și cortină de scenă” pentru lucrările pictorului. Dalí a afirmat în acest sens:

„Legat pentru totdeauna de acest Portlligat – care înseamnă port legat – unde mi-am definit toate adevărurile brute și rădăcinile. Mă simt acasă doar în acest loc; în altă parte, campez.”

Decorul este unul pe care l-a folosit adesea: țărmul celei mai nordice Catalonii, la Cap de Creus, cu un punct de reper preferat, Muntele Pani, care își aruncă umbra asupra plajei. Imaginile sale cu ceasuri topite ironizează rigiditatea timpului cronometric. Ceasurile în sine arată ca o brânză moale – într-adevăr, după propria relatare a lui Dalí, acestea au fost inspirate de halucinații după ce a mâncat brânză Camembert. Dali a folosit un proces pe care l-a numit „metoda paranoic-critică”, în care a provocat în mod deliberat halucinații ca o cale către propriul subconștient. În centrul imaginii, sub unul dintre ceasuri, se află o față umană distorsionată din profil, o imagine care apare și în lucrarea sa anterioară, Marele Masturbator (1929). Furnicile de pe ceasul portocaliu, cu fața în jos, reprezintă descompunerea, precum și frica binecunoscută a lui Dalí față de insecte.

Unii istorici de artă speculează că pictura a fost inspirată de teoria relativității a lui Albert Einstein și este un răspuns la aceasta.

Pictura înfățișează un cer crepuscular, ocupând treimea superioară, cu vedere la o plajă și la Marea Mediterană. Orizontul marin, care servește drept punct de fugă, este singurul element luminos din pânză. Golful, stâncile și falezele Portlligat sunt reprezentate în dreapta. Potrivit Fundației Gala și Salvador Dalí, pictorul „oferă o viziune simplă și austeră asupra naturii, un peisaj destul de static care transmite o anumită idee de sterilitate.” Lumina pare să vitrifice peisajul.

Cele două treimi inferioare, dominate de culori reci, sunt ocupate de plajă, unde se află trei ceasuri moi și un ceas solid. Unul atârnă de o ramură de măslin, celălalt se sprijină pe o formă albă cadaverică întinsă pe nisip, care nu este altceva decât o reprezentare distorsionată a Marelui Masturbator.

Acest element recurent și obsesiv al lui Dali încă de la finalizarea picturii cu același nume conține un autoportret al pictorului sub forma stâncilor din Portlligat, care sunt deja reprezentate în fundalul acestei picturi (stâncile din dreapta). În cele din urmă, ultimele două ceasuri se sprijină pe marginea unei piese de mobilier situate în afara câmpului vizual al privitorului, din care doar un colț este vizibil în colțul din stânga jos al lucrării.

Niciunul dintre aceste ceasuri nu indică aceeași oră, chiar dacă culorile și lumina sunt cele ale amurgului. Dintre ultimele două ceasuri, unul este moale și este surmontat de o muscă – o insectă zburătoare asociată cu un sentiment pozitiv la Dali. Ultimul ceas este singurul solid și singurul pictat într-o culoare caldă, portocalie, distingându-se clar de ceasurile moi, cu tonurile lor reci, albastre. Este un ceas de buzunar, prezentat cu susul în jos, ascunzând astfel acele care indică ora. Este infestat cu furnici – o insectă asociată cu un sentiment de groază la pictor. Jean-Hubert Martin sugerează că acesta din urmă este ceasul tatălui lui Dalí, față de care acesta avea o înstrăinare profundă.

Despre această pictură, care a devenit una dintre cele mai emblematice lucrări ale lui Dalí, pictorul a povestit că Gala i-a spus că „nimeni nu o poate uita după ce o vede”.

Persistența memoriei a fost expusă pentru prima dată la galeria Julien Levy din New York în 1932 și s-a vândut cu 250 de dolari. Cumpărătorul a donat pictura Muzeului de Artă Modernă doi ani mai târziu, iar de atunci a fost o piesă centrală a colecției muzeului.

Simbolism

În această lucrare, Dalí exploatează majoritatea elementelor picturale recurente din această perioadă: opoziția dur-moale (rigiditatea timpului, măslinul mort, brânza moale), comestibilul (Camembert), bestiarul (furnici, muște), sexualitatea și autoportretul (Marele Masturbator) și peisajul din Portlligat ca fundal. Dali dezvoltă teme universale: timpul și moartea.

Prin construcția sa — liniile de fugă ale piesei de mobilier, cadrele succesive ale ceasurilor, orizontul mării — lucrarea ghidează ochiul privitorului. Există două axe de interpretare. Prima, urmărind unghiul piesei de mobilier pe plajă, conduce la punctul de fugă situat dincolo și deasupra pânzei. Succesiunea culorilor variază de la nuanțele reci ale plajei și ale piesei de mobilier la nuanțele calde și deschise ale orizontului, contrastând cu restul pânzei și atrăgând privirea.

Viziunea se deplasează, cadru cu cadru, de la plaja întunecată la orizont, apoi la un dincolo marcat de claritatea punctului de fugă, adesea interpretat ca o invitație la dincolo, atât cel al picturii, cât și al vieții: temele centrale aici sunt moartea și anxietatea trecerii timpului. O a doua axă de lectură este diagonala de la colțul din stânga jos la colțul din dreapta sus, care este materializată de marginea superioară a Marelui Masturbator de pe plajă și care trece, de asemenea, de la o zonă rece și întunecată la stâncile luminoase ale Portlligat de la orizont.

Reprezentând în centru o creatură ciudată, un portret al său cu gene lungi, prezent și în Marele Masturbator, pictura ironizează rigiditatea timpului cronometric și este o alegorie a nemuririi. Asociația Prietenii Muzeului Dalí (Els amics del museu de Dali) afirmă:

„Este clar că Dalí evocă aici una dintre cele mai artificiale și abstracte preocupări inventate de om: obsesia de a controla timpul prin orele marcate de un ceas […] Dalí distorsionează chiar instrumentele care ar trebui să ne informeze despre timp și le anulează funcția.”

Aceste elemente trebuie, în cele din urmă, legate de titlu. Așa cum făceau adesea suprarealiștii, Dalí contrastează direct conținutul picturii cu titlul acesteia. Dacă pictura reprezintă trecerea timpului prin ceasurile sale moi care indică ore diferite, momente diferite, dacă imaginea obligă ochiul să parcurgă rapid pictura, titlul Persistența memoriei se referă la noțiunile opuse de statică și durată.

Misticism excentric

Într-un interviu televizat din 1961, Dalí a explicat că „Ceasurile moi sunt ca brânza, și mai ales ca brânza Camembert, atunci când este perfect maturată, adică are tendința să înceapă să picure”, justificând misticismul tabloului prin faptul că „Isus este brânză” și chiar „munți de brânză”, ceea ce, potrivit lui, este afirmat de Sfântul Augustin într-o interpretare a unui psalm incert din Biblie care îl compară pe Dumnezeu cu unul sau mai mulți munți.

Persistența Memoriei și apoi ce urmează?

Douăzeci de ani mai târziu, Salvador Dalí a reîncarnat tabloul și a creat Dezintegrarea persistenței memoriei. Dar aici, se reflecta o eră cu totul nouă, cea a progresului tehnologic. Viziunea pictorului asupra lumii se schimbase dramatic: ceasurile se descompuneau în molecule, iar întregul spațiu era inundat de apă.

Dali a reluat această evocare douăzeci de ani mai târziu, evident influențat de interpretarea sa artistică a progreselor științifice (în special în fizica cuantică), care se dezvoltau atunci rapid. Și-a reluat pictura în crearea lucrării „Dezintegrarea persistenței memoriei”.

Între 1952 și 1954, Dalí a reinterpretat pictura sa clasică, pictată cu douăzeci de ani mai devreme. Dezintegrarea Persistenței Memoriei este la fel de tulburătoare! Nimic nu a mai fost la fel începând din  anii 1930, iar artistul era foarte conștient de acest lucru. Aici, el explorează subiectul progresului tehnologic. Portlligat este acum inundat: „totul este suspendat în spațiu fără ca nimic să atingă nimic”. Ceasurile de buzunar revin la starea de molecule… Dalí al psihanalizei cedează apoi locul lui Dalí al fizicii nucleare și al religiei. Heisenberg, „noul tată” al artistului, i-a inspirat parțial opera. Tragediile de la Hiroshima și Nagasaki au jucat, de asemenea, un rol în crearea acestei versiuni a picturii.

Dezintegrarea persistenței memoriei

Opera lui Dali include și alte reprezentări ale ceasurilor moi. Printre acestea se numără Dezintegrarea persistenței memoriei. În 1954, Dalí a pictat o continuare a lucrării „Persistența memoriei”, intitulată „Dezintegrarea persistenței memoriei” (La desintegración de la persistencia de la memoria), care adaugă originalului o sugestie amenințătoare de gloanțe.

Aceasta este o reinterpretare a picturii anterioare și pune sub semnul întrebării noțiunea de nemurire și constituția realității. Peștele înfățișat în ea face referire la teoria evoluției a lui Darwin.

Dezintegrarea persistenței memoriei, 1952-1954, Muzeul Salvador Dalí

Dezintegrarea persistenței memoriei din 1952-1954 ilustrează metoda fragmentării moleculare proprie lui Dali în această perioadă: „totul este suspendat în spațiu fără ca nimic să atingă nimic”.

Trebuie menționat, totuși, că într-o conferință publică, Dalí a declarat că nu cunoaște sensul propriei sale opere, astfel încât spectatorii să nu-și facă griji dacă nu îl pot descifra singuri.

„Suprerealismul sunt eu!” (Jurnalul unui geniu, 1964).

Această formulă a lui Dalí s-a dovedit profetică: Dalí a devenit cel mai faimos și admirat dintre suprarealiști, iar iconografia sa a făcut mult timp parte din imaginarul colectiv.

Dalí întruchipează transgresiunea, libertatea, rebeliunea și capacitatea de a șterge granițele dintre artă și realitatea cotidiană. În domeniul artistic, este cunoscut și pentru că a fost creatorul metodei paranoic-critice, o metodă irațională de înțelegere a realității care folosește imagini duble sau invizibile și se referă la fenomenele de percepție sau de interpretare a realității, o realitate mai complexă decât pare la prima vedere. De altfel, peisajele sale, care îl caracterizează și constituie referințe constante și eterne ale operei sale, au devenit și ele universale. Acestea îi permit, pe de o parte, să-și traducă imaginarul suprarealist în termeni vizuali și, pe de altă parte, să intensifice funcția simbolică a imaginilor pentru a căuta o realitate mai profundă.

Suprarealismul este consubstanțial cu însăși identitatea lui Salvador Dal, care scria:

„Condiția umană este definită de enigmă și simulacru, corolare ale acestor date vitale: instinctul sexual, conștiința morții, melancolia fizică generată de noțiunea de spațiu-timp” (Declarația Independenței Imaginației și Drepturilor Omului asupra Propriei Nebunii, 1939), o enigmă și un simulacru pe care le înscrie, într-un mod poetic sau obiectiv, în peisajele sale suprarealiste, referințe recurente în opera sa.

Peisajul suprarealist este în același timp real și oniric, fotografic și melancolic, precis și paranoic, cu unele scufundări în inconștient. Acest inconștient, revendicat de Freud și psihanaliză, Dalí, aflat perpetuu în căutarea unei noi dimensiuni, îl reprezintă adesea într-un mod foarte precis, cu o anumită doză de realitate, chiar hiperrealitate. Căci este vorba de a acorda lumii viselor cea mai mare precizie posibilă, pentru a o obiectiva.

Peisajele lui Dalí exprimă însăși natura suprarealismului său, pe care îl definește în acești termeni, folosind chiar cuvintele lui André Breton:

„Suprealism: automatism psihic pur prin care se propune să se exprime, fie verbal, fie în scris, fie în orice alt mod, funcționarea reală a gândirii. Dicteu al gândirii, în absența oricărui control exercitat de rațiune, în afara oricărei preocupări estetice sau morale.”

Dalí a adoptat definiția publicată de André Breton în Primul Manifest al Suprarealismului în 1924 (André Breton, Manifestele Suprarealismului, 1985).

Pledoaria hotărâtă a lui Salvador Dalí pentru imaginație și inconștient permite o altă lectură a suprarealismului său, de data aceasta prin peisajele sale. În acest sens, să ne amintim cuvintele lui André Breton:

„Cu Dali, este poate pentru prima dată când ferestrele mentale se deschid larg…”

Acestea ne ajută să ne cufundăm în suprarealismul lui Dalí, care s-a alăturat oficial acestei mișcări în 1929 și pe care a îmbogățit-o cu o nouă viziune și un nou dinamism.

© CCC