Secretele celor mai faimoase picturi din lume
Fata cu cercel de perlă de Johannes Vermeer
Istoria artei este plină de nenumărate picturi care au captivat imaginația și admirația oamenilor din întreaga lume. De la arta renașterii până la arta modernă, multe capodopere au rezistat testului timpului. Cu toate acestea, unele picturi au fost în centrul controverselor, dezbaterilor, indignării și chiar oprobriului public.
Opere de artă enigmatice, emoționante, captivante, fascinante și chiar tulburătoare uneori. Fără îndoială, ați întâlnit deja privirile personajelor din aceste picturi sau v-ați lăsat ochii să rătăcească peste aceste peisaje pe pânză. Dar cunoașteți povestea din spatele acestor tușe de pensulă?
Mona Lisa de Leonardo da Vinci (cca. 1503 – cca. 1506)
În spatele privirii enigmatice a Mona Lisei, ochii Lisei Gherardini te urmăresc și te captivează. Da Vinci a imortalizat-o pe soția negustorului florentin Francesco Del Giocondo, care a comandat acest portret. Dar pictura nu a fost niciodată livrată, deoarece lucrarea nu și-a părăsit niciodată maestrul.
În 1516, la invitația lui Francisc I, Mona Lisa a traversat Alpii împreună cu artistul și alte două pânze. Regele a achiziționat mica pictură în 1518. Furtul acesteia din Muzeul Luvru în 1911 de către italianul Vincenzo Peruggia, care dorea să o returneze în țara sa de origine, a declanșat o vastă anchetă care a contribuit la renumele său mondial.
Fata cu cercel de perlă de Johannes Vermeer (cca. 1665)
Supranumită „Mona Lisa Nordului”, această pictură a olandezului Johannes Vermeer, unul din cei mai cunoscuți reprezentanți ai stilului baroc, are și ceva intrigant în privirea sa. De fapt, nimeni nu știa cu adevărat cine a pictat-o. Pictată în jurul anului 1665, pânza a căzut în uitare timp de aproape două secole înainte de a fi cumpărată pentru câțiva guldeni de către un colecționar în 1881. Pariind că pictura era un Vermeer, bărbatul a fost sigur doar după ce pânza a fost ștearsă de praf și curățată. Într-un colț, a descoperit semnătura pictorului, aproape invizibilă.
Floarea-soarelui de Vincent Van Gogh (1887-1889)
Această vază cu paisprezece flori de floarea-soarelui reprezintă toate etapele înfloririi, de la boboc la floarea ofilită. Este o adevărată metaforă pentru trecerea timpului. Cu toate acestea, Floarea-soarelui nu este numele unei singure picturi, ci al unei serii de șapte lucrări pe această temă ale artistului olandez Vincent Van Gogh.
Doar șase au mai rămas, deoarece una dintre ele, Cinci floarea-soarelui într-o vază, a fost distrusă într-un incendiu din august 1945, în urma unui bombardament. Chiar și astăzi, mormântul celebrului pictor Vincent van Gogh și al fratelui său Theodore van Gogh, unul lângă altul în cimitirul din Auvers-sur-Oise, sunt încă împodobite cu aceste flori viu colorate.
Crearea (Facerea) lui Adam de Michelangelo (1508–1512)
Această scenă, pictată pe tavanul Capelei Sixtine, este doar o parte din fresca de 500 de metri pătrați, dar este, fără îndoială, cel mai faimos element. Michelangelo a revoluționat modul în care Dumnezeu era reprezentat, înfățișându-l ca un bărbat în vârstă, îmbrăcat umil. La acea vreme, Dumnezeu era de obicei portretizat ca o ființă perfectă și atotputernică. Dumnezeu își întinde brațul pentru a-i da lui Adam scânteia vieții, în timp ce în spatele lui stă Eva, care nu a fost creată încă.
Nuferii de Claude Monet (1914–1928)
Seria Nuferilor cuprinde 300 de lucrări ale pictorului impresionist Claude Monet, inspirate de florile din iazul de la moșia sa din Giverny. Acesta le-a observat și le-a pictat timp de aproape treizeci de ani. Cu toate acestea, de la prima sa pânză din 1895 până la ultima din 1926, lucrările sale au devenit din ce în ce mai abstracte de-a lungul anilor, pe măsură ce artistul și-a pierdut treptat vederea.
Opt dintre aceste compoziții sunt expuse la Musée national de l’Orangerie din Paris, dedicat pictorilor impresioniști și postimpresioniști, acoperind o suprafață de 200 de metri pătrați.
Pluta Meduzei de Théodore Géricault (1818-1819)
Această pânză imensă este o pictură celebră a pictorului romantic francez Théodore Géricault, expusă la Muzeul Luvru. Aceasta înfățișează tragedia naufragiului fregatei Meduza, în largul coastei Mauritaniei în 1816, care a dus la moartea a 160 de soldați și marinari după câteva zile petrecute pe mare. Supraviețuitorii au fost abandonați pe o plută improvizată timp de treisprezece zile înainte de a fi salvați.
Théodore Géricault a prezentat-o la Salonul din 1819 și a primit medalia de aur. Mutată de la Luvru la Versailles în 1939 pentru a scăpa de naziști, pictura a lovit firele de tramvai, cufundând orașul în întuneric. Ironia sorții, lucrarea în sine s-a întunecat în timp din cauza tipului de vopsea folosită. Astfel, la fel ca victimele naufragiate, este sortită să dispară.
Pictura, creată între 1818 și 1819, este considerată o capodoperă a romantismului datorită realismului și tensiunii sale dramatice.
Marele Val de la Kanagawa de Hokusai (1831)
Pictorul japonez Hokusai a produs aproape 30.000 de lucrări. El a creat această serie între 1830 și 1833, la șaizeci de ani de la începutul carierei sale. Cunoscută în întreaga lume sub numele de Valul sau Marele val, această gravură face parte dintr-o colecție de gravuri intitulată Treizeci și șase de vederi ale Muntelui Fuji. În această gravură, însă, muntele este pictat miniatural în fundal. Artistul folosește tehnica ukiyo-e, sau imaginea lumii plutitoare, pentru a reprezenta elementul central, acest val gigantic.
Cina cea de Taină de Leonardo da Vinci (1494–1498)
Câte mistere înconjoară această frescă care îl înfățișează pe Hristos anunțând ucenicilor săi: „Unul dintre voi mă va trăda!” Indignare, întrebări, furie – lucrarea surprinde reacțiile celor prezenți la Cina cea de Taină și le dezvăluie personalitățile. În centru, cu mâna dreaptă, Iisus pare să arate spre Iuda, care strânge în mână punga trădării.
Figura lui Ioan, simetrică față de Hristos și înfățișată cu trăsături feminine, l-a inspirat pe Dan Brown și teoria sa controversată din Codul lui Da Vinci, conform căreia el este Maria Magdalena, presupusa soție secretă a lui Iisus.
Țipătul de Edvard Munch (1893)
Contrar a ceea ce s-ar putea crede privind această pictură, titlul acesteia nu se referă la țipătul scos de personajul din prim plan. În jurnalul său, pictorul norvegian vorbește despre „țipătul nesfârșit care a sfâșiat natura” sub un cer roșu-sângeriu. Se crede astfel că artistul a înfățișat erupția vulcanului indonezian Krakatau. În 1883, vuietul a fost auzit la 4.800 km distanță, iar cenușa s-a răspândit prin atmosferă până în nordul Europei.
Sărutul de Gustav Klimt (1907–1908)
În centrul acestei picturi în mărime naturală, un cuplu învăluit într-o mantie pictată cu foiță de aur se înlănțuie într-o îmbrățișare eternă, un adevărat imn al iubirii. În această lucrare orbitoare, artistul vienez Gustav Klimt înfățișează ceea ce, la acea vreme, era considerat tabu: erotismul și împletirea corpurilor. Îndrăgostiții portretizați sunt Klimt și soția sa, Emilie Flöge. Expusă la Viena, această pictură a șocat inițial publicul înainte de a deveni o piatră de temelie a identității capitalei.
Prânzul la iarbă verde de Édouard Manet (1863)
În 1863, această pictură a stârnit agitație. Deoarece nu respecta convențiile artistice stricte ale vremii, a fost respinsă de juriul Salonului de Arte Frumoase. Manet a reușit însă să-și expună pânza la Salon des refusés, creat special pentru acel an. Opera sa a șocat profund publicul parizian, care a considerat-o indecentă. Femeia din prim-plan este Victorine Meurent, model și pictoriță care a pozat și pentru Edgar Degas.
Coloana frântă de Frida Kahlo (1944)
„Nu am pictat niciodată vise, ci propria mea realitate.” În spatele picturilor sale, Frida Kahlo își înfățișează viața. Aici, artista își portretizează suferința, atât fizică, cât și emoțională, din timpul lungilor luni de spitalizare în urma unui accident de autobuz cu douăzeci de ani în urmă. Acest autoportret este o mărturie a durerii atroce care avea să o bântuie tot restul vieții. În timpul convalescenței, a trebuit să rămână imobilizată la pat și să poarte un corset. În această perioadă a început să picteze, dezvăluindu-și întregul talent.
Libertatea conducând poporul de Eugène Delacroix (1830)
Delacroix s-a inspirat din Revoluția din iulie 1830 de la Paris. Turnurile Catedralei Notre-Dame sunt clar vizibile în fundal. Femeia din centrul picturii este înfățișată ca o figură antică, evocând o zeiță. Frumoasă și radiantă în rochia ei drapată, nu nuditatea ei a șocat publicul vremii, ci mai degrabă pilozitatea de sub brațul ei drept.
Păsări de noapte de Edward Hopper (1942)
Realitatea solitară a Americii, după atacul de la Pearl Harbor din 1941, într-o scenă urbană
Marea artă este expresia exterioară a unei vieți interioare a artistului, iar această viață interioară va duce la viziunea sa personală asupra lumii. – Edward Hopper
Nighthawks este o pictură în ulei din 1942 care înfățișează patru persoane într-un restaurant din centrul orașului, noaptea târziu, așa cum se vede prin fereastra mare de sticlă a restaurantului. Lumina care vine din restaurant luminează strada întunecată și pustie a orașului. Tabloul este una dintre cele mai faimoase picturi din arta americană. La câteva luni de la finalizarea sa, a fost vândut Institutului de Artă din Chicago pentru 3.000 de dolari.
În această pictură, Nighthawks, cea mai faimoasă a sa, Edward Hopper descrie singurătatea vieții urbane moderne prin intermediul „păsărilor nocturne” care se sprijină pe tejgheaua acestui bar din New York, unde timpul pare să fi stat în loc.
Se spune că artistul american s-a inspirat din nuvela lui Ernest Hemingway, Asasinii, în care doi asasini plătiți își așteaptă victima într-o braserie. Lucrarea prezintă, de asemenea, asemănări cu „Cafeneaua de noapte” de Van Gogh, care era expusă la New York la acea vreme.
Edward Hopper a spus că pictura „Păsări de noapte” a fost inspirată de „un restaurant de pe Greenwich Avenue din New York, unde se întâlnesc două străzi”, dar imaginea – cu compoziția sa atent construită și lipsa narațiunii – are o calitate atemporală, universală, care transcende amplasamentul său particular.
Una dintre cele mai cunoscute imagini ale artei secolului al XX-lea, pictura înfățișează un restaurant deschis toată noaptea, în care s-au adunat trei clienți, toți pierduți în propriile gânduri. Înțelegerea lui Hopper asupra posibilităților expresive ale luminii care se joacă pe forme simplificate conferă picturii frumusețea sa.
Luminile fluorescente abia intraseră în uz la începutul anilor 1940, iar restaurantul deschis toată noaptea emite o strălucire stranie, ca un far la colțul întunecat al străzii. Hopper a eliminat orice referire la o intrare, iar privitorul, atras de lumină, este exclus din scenă de un geam mare de sticlă.
Cele patru păsări nocturne anonime și necomunicative par la fel de separate și îndepărtate de privitor pe cât sunt una de cealaltă. (Femeia roșcată a fost de fapt modelată după soția artistului, Jo.)
Hopper a negat că a infuzat în mod intenționat această pictură sau oricare alta dintre picturile sale cu simboluri ale izolării umane și ale golului urban, dar a recunoscut că în Nighthawks „Inconștient, probabil, pictam singurătatea unui oraș mare”.
„Păsări de noapte” de Edward Hopper a fost finalizată în 1942 și surprinde paradoxul singurătății în viața urbană. Capodopera lui Hopper este o criză existențială în sine, în care un grup de indivizi cad pradă liniștii izolatoare a orașului New York. Rămâne nu doar una dintre cele mai recunoscute, ci și una dintre cele mai ușor de înțeles picturi din arta americană a secolului XX, în profunzimile nostalgice ale acestei capodopere moderne.
Lumini fluorescente puternice se revarsă pe străzile întunecate ale orașului New York, în timp ce patru presupuși străini stau în jurul tejghelei unui restaurant deschis târziu. Aproape fizic, dar la kilometri distanță din punct de vedere psihologic. Însăși esența vulnerabilității umane pulsează ca o venă expusă în capodopera lui Hopper, surprinzând singurătatea copleșitoare a vieții moderne. Chiar înainte ca smartphone-urile să preia controlul asupra oricărei încercări de interacțiune umană reală, pictura iconică a lui Hopper dezvăluie incapacitatea americanilor de a se conecta la începutul anilor 1940.
În ciuda lipsei de reflexie a strălucirii luminoase a ecranului unui telefon, privirile clienților rămân goale, neconcentrate și nesatisfăcute. Nighthawks descrie nu doar alienarea amară a vieții într-un oraș mare, ci și paranoia care a cuprins Statele Unite după atacul de la Pearl Harbor din 1941. Anxietățile legate de un al doilea atac au învăluit orașul precum frecventele exerciții de întrerupere a curentului la care au fost supuși New York-ul și locuitorii săi. Urmărim prin fereastră expresiile impasibile ale subiecților inaccesibili ai lui Hopper. Fără o ușă pentru a intra în restaurant, privitorii sunt lăsați afară.
Impresie, răsărit de soare de Claude Monet (1872)
Această pictură a dat numele impresionismului, o mișcare artistică apărută în anii 1870. Se spune că a durat doar o singură zi pentru a fi finalizată. Monet înfățișează o vedere a portului Le Havre, orașul său natal. Primul cumpărător al pânzei a fost nimeni altul decât mecena și colecționarul de artă Ernest Hoschedé, a cărui soție, Alice, l-a părăsit pentru a locui cu pictorul.
Maria Antoaneta cu trandafirul de Élizabeth Vigée Le Brun (1783)
Maria Antoaneta este cea mai frecvent reprezentată dintre toate suveranele franceze. Picturile lui Élizabeth Vigée Le Brun au contribuit în mare măsură la popularitatea postumă a ultimei regine a Franței, iar acest portret este unul dintre cele mai faimoase.
Cu toate acestea, versiunea sa inițială a provocat un scandal. Inițial, soția lui Ludovic al XVI-lea a fost pictată purtând o pălărie de pai și o rochie lejeră, vaporoasă, fără corset sau crinolină. Considerată indecentă, deoarece regina era considerată goală, lucrarea a fost retrasă de la Salonul din 1783, iar artista a fost obligată să-și „îmbrace din nou” modelul regal.
Balul de la Moulin de la Galette de Auguste Renoir (1876)
Auguste Renoir a pictat una dintre sălile de dans în aer liber pe care îi plăcea să le frecventeze cu prietenii săi. Aceștia sunt reprezentați așezați la o masă în prim-plan. Georges Rivière, biograful pictorului, poate fi văzut acolo cu stiloul în gură. În stânga, femeia în rochia roz pal nu este alta decât Margot, iubita lui Renoir, dansând polca, dansul popular originar din Boemia, împreună cu pictorul cubanez Pedro Vidal de Solarès.
Soții Arnolfini de Jan van Eyck (1434)
Multe mistere înconjoară această pictură, precum oglinda din fundal. Aceasta nu reflectă cu exactitate realitatea: cuplul nu se mai ține de mână, iar câinele a dispărut. De asemenea, prezintă două figuri necunoscute, una în albastru și cealaltă în roșu. Candelabrul de pe tavan conține doar două lumânări. Deși scena are loc în plină zi, lumânarea de deasupra soțului este aprinsă, în timp ce cea de pe partea soției este complet arsă. Suficient pentru a stârni curiozitatea oricui.
Pe peretele din spate atârnă o magnifică oglindă convexă. Dincolo de atractivitatea sa pur estetică, această oglindă iese în evidență ca element principal al picturii. Oglinda este o operă în interiorul unei opere și ne permite să vedem „în culise”. Îi vedem pe mire și pe mireasă din spate și pe alte două persoane, îmbrăcate în albastru și roșu, cu fața spre ei.
Oglinda, un element important în pictura flamandă, permite artiștilor să își exprime talentul, lucrând, de exemplu, la scufundarea în abis (mise en abyme) , la lumină, la meticulozitatea detaliilor și la perspectivă. În acest spațiu minimal, artistul reproduce întreaga scenă, de la podea până la tavan, confirmându-și statutul de pictor de geniu.
În oglindă, câinele a dispărut Și apoi, cuplul nu se mai ține de mână! Așadar, fie că a fost o simplă greșeală a artistului, fie un mesaj ascuns, misterul persistă.
Deși la prima vedere femeia din pictură pare însărcinată, în realitate, nimic nu este mai puțin sigur. Încă o dată, intră în joc mai multe ipoteze. Ideea unei scene de nuntă în camera nupțială întărește posibilitatea ca tânăra femeie să fie însărcinată. Verdele rochiei ei accentuează, de asemenea, ideea de fertilitate. Totuși, dacă ne uităm la alte picturi din aceeași perioadă, ne dăm seama că multe femei sunt înfățișate cu abdomene rotunjite, poate datorită stilului rochiilor lor. Dacă ne uităm cu atenție, ea își strânge trena rochiei peste abdomen, creând acest efect de posibilă sarcină. Misterul rămâne nerezolvat.
Alt mister, candelabrul era format dintr-o singură lumânare. În realitate, această lumânare are o valoare simbolică. Conform studiilor efectuate asupra operei, soția lui Arnolfini a murit în 1434. Mulți îi văd prezența ca pe o imagine simbolică. Mai multe elemente par să confirme această idee. Lumânarea aprinsă este pe partea bărbatului, ceea ce ar putea sugera că lipsa luminii pe partea femeii reprezintă lipsa ei de viață.
Toate acestea sunt accentuate de motivele din jurul oglinzii. Douăsprezece scene din viața lui Hristos pot fi văzute acolo. Toate scenele de pe partea bărbatului îl înfățișează pe Hristos viu, în timp ce scenele de pe partea femeii îl înfățișează pe Hristos mort.
Întrucât oglinda reprezintă viața, realitatea, faptul că cuplul nu se ține de mână ar putea simboliza și separarea cauzată de moartea tinerei femei.
Iudita și slujitoarea ei de Artemisia Gentileschi (1618-1619)
Această lucrare înfățișează decapitarea lui Olofern, un general al regelui asiro-babilonian Nabucodonosor, o figură din Cartea Iuditei din Vechiul Testament. Artemisia Gentileschi (1593-1653), o pictoriță renascentistă italiană aparținând curentului baroc timpuriu, considerată una dintre pictorițele cele mai valoroase din generația următoare lui Caravaggio, a reușit să-și lase amprenta într-o lume dominată de bărbați.
Stilul și picturile ei sunt, pentru mulți, mărturii emoționante ale vieții sale. Abuzată de maestrul ei de pictură și umilită în timpul procesului care a urmat, pictorița a produs lucrări care mărturisesc opresiunea masculină și violența împotriva femeilor, făcând din Artemisia Gentileschi o adevărată emblemă feministă contemporană.
Încoronarea lui Napoleon de Jacques-Louis David (1805–1807)
Se spune că, văzând lucrarea, Napoleon ar fi spus: „Aceasta nu este o pictură; pătrunzi în acest tablou.” Această pânză monumentală este, în primul rând, un instrument de propagandă a cărui realizare a durat doi ani. Astfel, David a putut să se joace cu detaliile, chiar distorsionând sau înfrumusețând realitatea. De exemplu, mama lui Napoleon este înfățișată la încoronare, în timp ce, în realitate, ea a fost absentă în acea zi. Interiorul Catedralei Notre-Dame pare sublim, dar la acea vreme, catedrala purta încă urmele daunelor pe care le suferise în timpul Revoluției Franceze.
© CCC